El Blog de Atticus

ME PONGO COLORADO CUANDO TE MIRO (II)

2012-01-18T00:05:00.003+01:00

Tras el arrollador éxito mundial de la primera entrega, vuelvo de nuevo con esta sección que, aunque por el título pueda llamar a confusión, no está dedicada a contarnos las andanzas del Conseller de Hacienda de la Generalitat Valenciana, José Manuel Vela, a quien no hay que confundir con su hermano, Jorge Vela, actual director del Instituto Valenciano de Finanzas imputado en el asunto Palma Arena. El Conseller lleva gafas y su hermano no.

Es fácil pensar que el título del post iba dedicado al Conseller Vela, porque pocas cosas más sonrojantes están ocurriendo en esta Comunidad que la actuación de este sujeto, que, sin vergüenza alguna, está comandando los salvajes recortes y despidos que afectan a los trabajadores públicos, después de llevar 16 años ocupando un lugar protagonista en el área de Hacienda del gobierno valenciano y, por tanto, siendo uno de los responsables directos de los desmanes económicos y presupuestarios que han llevado a la Comunidad Valenciana a la situación crítica en la que se encuentra hoy.

Pero no, esa es otra historia que más que colorados nos pone negros. Estas entregas del blog sólo intentan recoger algunos despropósitos videográficos en los que artistas consagrados del mundo de la ópera nos sorprenden con apariciones que nos ruborizan, bien por hacer cosas que no son precisamente las suyas o porque se hacen acompañar en sus interpretaciones por quien no deben.

Por ejemplo, si Anna Netrebko decide salir cantando el brindis de “La Traviata” con el inefable Andrea Bocelli, ya se imagina uno que va a ocurrir un traviaticidio y se acabará con las mejillas más coloradotas que Sir John Falstaff después de trajinarse una botella de whisky. Y es que Bocelli nos obsequia con su afinado canto y no siguiendo a la orquesta ni por equivocación:

video de vito10vito

Yo no sé por qué la han tomado algunos especialmente con Mozart y su “Là ci darem la mano”, de “Don Giovanni”, para protagonizar múltiples versiones de lo más espeluznante. Como esta que nos ofrece el gran Luciano Pavarotti, en una de sus galas benéficas, acompañado por Sheryl Crow:

video de MoreSherylCrow

O todo un clásico, esta otra versión de “Là ci darem la mano” que ofrecieron en su día Angela Gheorghiu y el señor Sting, quien no parece que vaya a ser precisamente el próximo heldentenor de Bayreuth:

video de ClassicalRelated

Nuestro siempre admirado (en otras lides) Plácido Domingo no podía dejar de visitar la sección. En este caso marcándose un bolerazo como este “Sabrá Dios”, cosa que hay que reconocer que lleva a cabo con bastante dignidad. En lo auditivo, me refiero. Porque el video que le han hecho, propio de karaoke viejuno, es de los que te suben los colores. Al pobre tenor madrileño me lo sacan con una pinta que no sabe uno si es que está en pijama en la terraza de su casa de la playa mientras se le seca el Farmatint, o va disfrazado de personaje de 'Los Soprano'. Y luego, a mitad de video, luce pecholobo, para acabar de rematar:

video de holograficbrilliant

Y finalizo el castigo de hoy con un plato fuerte. Otra vez Angela Gheorghiu, en esta ocasión atreviéndose con “Siboney”, del cubano Ernesto Lecuona. La siempre finísima cantante rumana, con unas transparencias de vértigo, se desmelena y llega a mover las caderas de manera acompasada y hasta a hacer palmas y todo. Todo un despendole. Eso sí, después de ver las caritas y meneítos de Angelita y escuchar su impecable dicción de la lengua castellana, uno acaba más colorado que su vestido. Por si alguno se despista con el ombligo de la Gheorghiu y no entiende lo que canta, me he permitido transcribirlo a continuación:

video de e2ul

Sibonaaay, coote quieno

yo me muero pel tuamoooor.

Sibonaaay aansuponga

la milpusso sulsussaaaar

Fiijaateeee que te quiero

Que teto dostesoro

Elesu baladíííí

Sibonaaay, amalgullo del tu alno pienso iiinnnn

Siboneeeee de mi sueño citó esa pena de mi foooaaas

Siboneeeee si no vienes ma voy damoooor

Siboniiii queee mi sueño espera conansi unalaaaay

Siboniiii, si no vienes me moriré damaaaar

On el eco de mi canto de cristaaaal

Siboniiiiiii aaaaaaaoooooaaaao aa aaa aaaooooo

Oeleco de mi cano de quisaaaaar

Dame leche esmaletra del ruuudaaaa

cooodeeeeguaal aaaaaaa aaaaaa aaaaaaaaa AAAAAAAAAAA

"THE ARTIST"

2012-01-10T20:01:00.001+01:00

Ya hace bastante tiempo que se ha estrenado en España la película “The Artist”, dirigida por el francés Michel Hazanavicius. Mucho se ha escrito ya sobre ella, tanto a favor como en contra, lo cual es un fiel indicador de que no nos encontramos ante un film más de relleno de la programación, sino ante un producto que, al menos, nos presenta una propuesta diferente, lo cual, en los parámetros en los que se mueve la industria cinematográfica actual, ya es todo un acontecimiento.

Yo no había podido verla hasta ahora y la verdad es que no tenía intención de escribir sobre ella, precisamente porque se ha dicho ya casi todo, pero tras finalizar la película y encenderse las luces, decidí que algún comentario tenía que hacer en el blog, aunque sólo fuese para dejar pública constancia de que hacía muchísimo tiempo que no vivía en una sala de proyección el sabor del auténtico cine clásico.

Y es curioso que hable de autenticidad cuando nos encontramos ante un trabajo cuya característica principal parece ser la ‘imitación’ que hace de las películas mudas del Hollywood de los años 20. Pero la autenticidad a la que me refiero es otra, es la de las emociones que suscita.

En pleno auge del cine en 3D, los efectos digitales y la realidad virtual, que se cuele en primera fila de la cartelera una película francesa, muda y en blanco y negro, ya es algo a tener en cuenta. Desde luego valor hay que tener para lanzarse a ese ruedo con semejante propuesta bajo el brazo, y por eso, en este caso, la primera felicitación ha de ir a los productores del film, encabezados por Thomas Langmann, que han apostado por algo distinto a lo que inunda actualmente las pocas salas que quedan y que suelen ser productos de rentabilidad inmediata pero que no van más allá del cine de usar y tirar.

La historia que se nos cuenta no es especialmente original. Las relaciones entre George Valentin (Jean Dujardin), que ha llegado a ser la gran estrella del cine mudo, pero se niega a adaptarse a la llegada del sonido, por lo que acaba apartado de los platós y sin trabajo; y Peppy Miller (Bérénice Bejo), una joven aspirante a actriz a la que él promocionó, que se convierte en la nueva diva del cine sonoro.

El recuerdo de “Cantando Bajo la Lluvia” o “Ha Nacido una Estrella” es inevitable, al igual que hay clarísimas referencias a “Sunset Boulevard” o “The Thin Man”, y pequeños guiños a otros muchos filmes como “Ciudadano Kane” o “The Crowd”, pero lo principal no es la mayor o menor originalidad de la historia de fondo, por otra parte más previsible en su desarrollo que un discurso de Rajoy, sino el homenaje a la magia del cine clásico que contiene y la apariencia formal que se ha elegido para contarla, consiguiéndose un resultado final donde cada fotograma es una explosión de poesía y sensibilidad, cine en estado puro, donde las emociones de los personajes traspasan la pantalla de forma natural y auténtica, logrando un feliz reencuentro con todo aquello que a muchos de nosotros nos hizo, hace ya demasiado tiempo, caer enamorados para siempre del placer de ver películas en una sala oscura.

En los tiempos del cine mudo, la falta de diálogos llevaba a que el peso de la transmisión de las emociones de los personajes a la platea recayese, en primer término, en una labor de dirección precisa, donde cada plano tiene una razón de ser y es determinante para dotar de fuerza y fluidez el ejercicio de narrativa visual; luego, en unas interpretaciones de los actores donde el gesto tiene que suplir la ausencia de diálogo hablado; y, después, en unas bandas sonoras que ‘dirigían’ de algún modo las sensaciones del espectador. "The Artist" recupera estas reglas fundamentales sin las que el conjunto no sería creíble.

Tenemos un sensacional elenco de actores y actrices entre los que es de justicia destacar el estupendo trabajo que lleva a cabo Jean Dujardin, sumergiéndose en las raíces mismas de la técnica interpretativa para dar todo un recital de expresividad gestual y complicidad con el espectador. La encantadora Bérénice Bejo le da adecuada réplica, igual que un puñado de secundarios de lujo (John Goodman, James Cromwell) y algún ilustre cameo (Malcolm McDowell) que acaban de redondear el resultado.

Ludovic Bource ha construido una banda sonora en la que los estados de ánimo de los personajes son remarcados hábilmente por una partitura donde lo primordial no es tanto la mayor o menor belleza de la misma (de todo hay), como su efectividad.

Tan importante o más que la música son también los efectos sonoros (excepcional la secuencia de la pesadilla) y el uso que de los silencios hace el realizador, Michel Hazanavicius, dándoles un papel activo que incide de manera directa en las emociones del espectador.

La labor de Hazanavicius ha sido impecable en todos los aspectos, cuidando al máximo cada detalle de la producción, cada encuadre, los juegos de luces y sombras, cada movimiento de cámara, potenciando los perfiles de los personajes y su devenir psicológico, de forma que, pese a lo artificiosa que pueda ser la criatura, nos sintamos naturalmente atrapados en una historia excepcionalmente narrada que huele a palomitas, a sesión continua, a acomodadores con uniforme y linterna, y nos traslada al pasado envolviéndonos en la magia del arte cinematográfico durante hora y media.

Un escalofrío recorrió mi espina dorsal cuando, por unos instantes, en los que la sala se encontraba en un inhabitual silencio, no sólo en la pantalla, sino entre un público absorto en lo que en ella pasaba, recuperé un sonido lejano que hacía muchísimos años que yo no escuchaba en un cine, como es el del proyector.

No quisiera terminar estos comentarios sin hablar algo más acerca de algunos guiños que también pueden encontrarse en la banda sonora compuesta por Ludovic Bource. Así, el compositor incluye algunas alusiones más o menos veladas a Chaplin o Porter, transcripciones de Ellington o Livingston, o una versión del “Pennies from Heaven” de Johnston y Burke. Y, al mismo tiempo, hay otras referencias más sutiles como la inclusión de un pequeño pasaje del ballet “Estancia” del argentino Alberto Ginastera, en concreto de este fragmento titulado “La Danza del Trigo”, que podemos escuchar aquí en la interpretación de la Simon Bolivar Youth Orchestra dirigida por Gustavo Dudamel:

video de imsleepyanddead

Aunque, sin duda, el homenaje musical más evidente se produce cuando se cuelan en la partitura, en una secuencia rebosante de emoción, los acordes del bellísimo “Tema de Amor” compuesto para la película “Vértigo”, de Alfred Hitchcock, por el genio de Bernard Herrmann, quien a su vez se inspiró en el wagneriano “Tristán e Isolda”:

video de satriani04

En un momento dado, mientras sonaba el piano ejecutando uno de los fragmentos más conseguidos de la partitura, no pude evitar acordarme de Johannes Brahms y su lied “Sapphische Ode”. Pensé que sería una tontería mía, pero después, escuchando en casa el corte correspondiente de la banda sonora, me percaté de que el tema se titula “Comme une rosée de larmes” (Como un rocío de lágrimas) lo cual tiene mucho que ver con la letra del poema de Hans Schmidt que musicó Brahms.

En primer lugar podemos escuchar el tema de la banda sonora de Ludovic Bource titulado “Comme une rosée de larmes”:

video de CharlieFnE

Y a continuación el lied de Johannes Brahms “Sapphische Ode”, en la interpretación de la mezzosoprano argentina Bernarda Fink acompañada por Roger Vignoles al piano:

video de operazaile

Rosas corté por la noche en el oscuro jardín;

más dulces que nunca exhalaron de día su aroma;

pero las ramas, agitadas,

generosas esparcieron rocío, mojándome.

También me embelesó el aroma de los besos

que por la noche cogí del ramo de tus labios;

pero también a ti, agitado el ánimo igual que ellas,

te rociaron las lágrimas.

Para finalizar os dejo con el trailer de “The Artist” con el consejo de que, si alguno no la habéis visto todavía, acudáis al cine con el espíritu abierto y dispuestos a disfrutar de buen cine. Es casi imposible no salir con espíritu optimista y con ganas de llegar a casa bailando claqué:

video de iELCARTEL

NOCHE DE REYES

2012-01-05T10:36:00.003+01:00

“La Cabalgata de los Reyes Magos” – Benozzo Gozzoli -Palazzo Medici Riccardi – Firenze

Esta noche es Noche de Reyes. Una ocasión única para revivir de nuevo la magia de la infancia y obtener el mejor regalo posible, que no es otro que descubrir, en los ojos muy abiertos de un niño, esa brillante mirada cargada de emoción y de una esperanza que mañana culminará con la ilusión desbordada de ver sus deseos cumplidos, en mayor o menor medida, al encontrarse con los regalos que les hayan dejado los Reyes Magos.

La verdad es que sus Majestades de Oriente trabajan esta noche una barbaridad. Yo no sé qué condiciones tendrán firmadas estos tíos en el “Convenio Colectivo de Reyes Magos, Santos Nicolases y Regaladores Varios”, pero el caso es que en unas pocas horas y a lomos de camello, lo cual a la par que poco práctico es incomodísimo, visitan a hurtadillas y en absoluto silencio todos los hogares de España, de Garrucha a Corcubión, acarreando paquetones que contienen todo tipo de regalos. Y ahora, con los recortes por la crisis y los Iphone, los Ipad, los Ibook, los Ipod y esas moderneces chiquiticas, aún la cosa tendrá un pasar; pero antes, con ordenadores de sobremesa, bicicletas de montaña y balones de reglamento, el suplemento de peso en Ryanair lo pagaban fijo… Y, por si faltaba poco, hasta tienen que ir cargados con carbón para los cabroncetes que se han portado mal, que ya son ganas de cargar...

Pero bueno, aunque se peguen hoy el palizón, también es cierto que el resto del año nadie sabe muy bien a qué se dedica esta gente. Más o menos como sus regios colegas constitucionales de latitudes más cercanas, pero con la diferencia de que los Magos estos deben tener una familia política más presentable, porque llevan aguantando en el cargo desde los tiempos del emperador Augusto y nadie les ha cuestionado todavía su derecho a lucir la testa coronada.

Aunque, claro, hay que reconocer que el trío oriental se lo monta bastante mejor, y, en lugar de arramblar con el dinero público para pegarse la vida padre a nuestra costa, han cogido la sana costumbre de dejarnos todos los años, tal noche como la de hoy, algún regalito. Y, vale, a veces meten la pata, como el Baltasar llevándole mirra a una criaturita que no sabía decir ni ajo, o como cuando nos dejan esa camisa horrible que no se la pondría ni Toni Genil pasado de sangría en una fiesta retro; pero, hombre, el detalle se agradece.

En fin, de momento mientras aguardamos ilusionados la llegada de los tres Reyes Magos y nuestro encuentro con la camisa de Toni Genil, he querido traer a este blog, en el que la ópera siempre ocupa un lugar principal, a tres importantes reyes operísticos.

Comenzando por el más antiguo de los tres, podemos escuchar al rey Mitrídates VI, también conocido como Mitrídates el Grande, monarca del reino del Ponto, en la península de Anatolia, durante los siglos primero y segundo antes de Cristo, a quien Wolfgang Amadeus Mozart le dedicó su ópera “Mitridate, re di Ponto”, una obra compuesta por el genio salzburgués cuando apenas contaba 14 añitos. El regio personaje es encarnado aquí por el tenor norteamericano Rockwell Blake, quien nos interpreta el aria “Se di lauri il crine adorno”, cumpliendo con enorme solvencia las exigencias endiabladas con las que el travieso adolescente Mozart envenenó la partitura:

video de coloraturafan

El siguiente monarca que nos visita es Macbeth, rey de Escocia durante el siglo XI y protagonista de la celebérrima tragedia de William Shakespeare en la que se basó la ópera de Giuseppe Verdi del mismo nombre. En esta ocasión es un barítono, el italiano Piero Cappuccilli, quien da vida al rey de Escocia, y nos ofrece una sentida interpretación verdiana del recitativo y aria del acto IV “Perfidi!… Pietà, rispetto, amore”:

video de ziropera

Y, por último, tenemos aquí a un paisano nuestro, nada menos que el rey Felipe II, en la que posiblemente sea la intervención más emblemática de su personaje en la ópera “Don Carlo”, de Giuseppe Verdi, el aria “Ella giammai m’amo” que he decidido traer en la voz del gran bajo búlgaro Nicolai Ghiaurov, en una interpretación perteneciente a la Gala Tucker del año 1996, cuando el cantante tenía ya 67 respetables años:

video de Onegin65

Bueno, espero que la noche de reyes os sea propicia. Y ya que sus Majestades de Oriente están acostumbrados a ir cargados y se van a ir de vacío, yo casi les propondría que se lleven encima del camello a todos estos gobernantes valencianos, tan simpáticos ellos, que no tiemblan ni se sonrojan al recortar salvajemente salarios y derechos de los trabajadores para tapar los agujeros en las cuentas públicas originados por sus propios desmanes y derroches desvergonzados.

FELIZ 2012

2011-12-31T19:54:00.000+01:00

"La Esperanza II" - Gustav Klimt - 1907 - Moma New York

Últimamente tengo el blog más abandonado de lo que sería mi intención, pero en una fecha como la de hoy no quería pasar de largo sin, al menos, pararme un instante para desearos a todos que, durante el año que comienza dentro de unas horas, seáis todo lo felices que os podáis permitir.

Yo, por mi parte, me conformaría con quedarme como estoy, que ya estaría bien. Y, como soy bastante inconsciente, todavía tengo la esperanza además de que, un día de estos, nuestros gobernantes se darán un buen golpe en la cabeza y se percatarán de que los recortes en política cultural son un gravísimo error de consecuencias irreparables a medio y largo plazo.

En fin, os reitero mis mejores deseos para todos vosotros y os dejo con la magia del señor Richard Strauss y su lied “Morgen”, un tema que a mí, personalmente, me llena de paz y bienestar cada vez que lo escucho. Bueno, cada vez que lo escucho bien cantado, claro. Tan bien como, por ejemplo, lo hacía Elisabeth Schwarzkopf acompañada por el violín de Edith Peinemann y la London Symphony Orchestra dirigida por George Szell:

video de Holtzloeffelz

Morgen (Mañana)

Y mañana brillará de nuevo el sol,

y por el sendero que recorreremos

la felicidad de nuevo nos envolverá

en el seno de esta tierra embriagada de sol…

Y hacia la extensa playa de olas azuladas

descenderemos lentamente en silencio,

mudos nos miraremos a los ojos

y sobre nosotros caerá el silencio de la felicidad…

Que así sea… ¡Feliz 2012!

"ARIADNE AUF NAXOS" (Richard Strauss) - Palau de les Arts - 16/12/11

2011-12-20T01:51:00.000+01:00

Una de las citas más esperada por mí de la presente temporada del Palau de Les Arts era la ópera “Ariadne auf Naxos”, de Richard Strauss, que se ha representado finalmente los pasados 16 y 18 de diciembre. La verdad es que mi ilusión había bajado muchos enteros cuando, primero, se anunció que se ofrecería en versión concierto, después canceló Riccardo Chailly por problemas médicos y se comunicó que sería sustituido por Sir Andrew Davis, y, por último, sin previo aviso y sin una mísera nota explicativa, como suele hacer las cosas Helga Schmidt, la soprano Adrianne Pieczonka también caía del reparto, anunciándose en su lugar a una desconocidísima Amber Wagner. Para rematar el asunto, las geniales mentes pensantes de Les Arts decidieron, una vez más, que la representación tuviera lugar en su impresentable Auditorio en lugar de en la sala principal.

Pues bien, pese a todo lo anterior, lo primero que tengo que reconocer es que he vivido dos veladas memorables de Ópera con mayúsculas, y ni el repugnante sonido del Auditorio ni la ausencia de escena consiguieron disminuir el enorme disfrute de la música de Strauss en manos de unos músicos y cantantes sensacionales.

De la dirección de Sir Andrew Davis esperaba que fuese correcta y poco más, pero lo cierto es que la labor llevada a cabo por el veterano director inglés resultó excelente. Quizás no alcance la chispa de genialidad de otras ilustres batutas, pero no le hizo ninguna falta. Consiguió que la Orquestra de la Comunitat Valenciana, reducida para la ocasión a poco más de una treintena de componentes, brillase como en las mejores noches, haciendo refulgir, como merece, la maravillosa partitura de Richard Strauss. Sonó a orquesta de cámara cuando así se requería, mientras que en otros pasajes, como el impresionante dúo final, la agrupación orquestal parecía estar engrosada por un centenar de músicos. Davis realizó un esmerado y meticuloso trabajo de dirección donde todo sonaba cuando y como debía sonar, aunque en algunos instantes hubiese sido preferible controlar un poco el volumen. Estuvo muy atento en todo momento a los cantantes, marcando sus entradas con precisión e incluso interactuando con ellos desde el podio. La complicidad del director con sus músicos era también evidente y quedó plenamente de manifiesto al finalizar la representación, momento en que éstos le tributaron una cariñosa y sentida ovación.

Todas las secciones orquestales estuvieron impecables, destacando por su virtuosismo cada uno de los atriles solistas que tuvieron ocasión de lucimiento, debiéndose reseñar en este apartado la maestría del joven concertino Serguéi Ostrovski.

Que la Orquesta de la Comunitat Valenciana ofrezca unas excelentes prestaciones siempre es una buena noticia, aunque, afortunadamente, ya no es una sorpresa. Lo que sí constituyó una sorpresa enorme, al menos para mí, fue el nivel vocal ofrecido por los cantantes, sobre todo por la soprano Amber Wagner, que llegaba a Les Arts como una perfecta desconocida para interpretar el papel de Primadonna y Ariadna y se marcha de aquí con la rendida admiración de todos los que tuvimos la suerte de escucharla en directo.

Nada más afrontar sus primeras frases en el Prólogo ya pudimos apreciar la belleza de una voz ancha, cálida, esmaltada, homogénea y de gran volumen que además moldeaba con un gusto exquisito, pero sería durante la exigente segunda parte cuando todo el potencial del instrumento de la Wagner nos cautivaría incondicionalmente. Su “Es gibt ein Reich” fue todo un recital de canto en el que exhibió una técnica portentosa y una abrumadora capacidad expresiva, vocal y gestual. Demostró gran control del fiato y un fraseo inmaculado que adornó con deslumbrantes matices. Acometió notas en pianísimo con apenas un hilo de voz, aumentando la intensidad del sonido gradualmente sosteniendo el mismo golpe de aliento en un progresivo crescendo hasta inundar la sala con un volumen espectacular. Su dúo final con el Baco de Nikolai Schukoff y la orquesta a pleno rendimiento, es de los que se tarda mucho tiempo en olvidar.

Creo que hemos tenido la fortuna de presenciar los primeros pasos de una mujer que me atrevo a aventurar que esté llamada a ocupar un lugar de honor en el mundo de la ópera durante los próximos años. Y en el momento en el que su registro grave adquiera un poco más de envergadura y perfeccione aún más su técnica podemos encontrarnos ante una soprano de referencia.

El tenor austriaco Nikolai Schukoff tuvo que hacer frente al diabólico papel de Tenor/Baco. Decir que acabó la representación sin romper la voz ya sería todo un mérito, pero es que además llevó a cabo una actuación que considero muy meritoria y, por momentos, brillante, aunque al final pasase sus apuros, cercanos a la defecación, y todavía tenga algunas cosas que pulir.

Julia Bauer también tuvo una destacada actuación en otro papel complicado como es el de Zerbinetta. Su voz, delgada, blanquecina y desprovista de esmalte, no me resulta especialmente grata. Es verdad que adquiere más valor en la zona alta, pero con tendencia al chillido. Pese a esto, debo reconocer que la ejecución de su aria fue estupenda, consiguiendo, gracias también a la paradinha estratégica de Andrew Davis, una fuerte ovación a su finalización.

Me gustó bastante la mezzosoprano Cecelia Hall como El Compositor. Su voz me pareció francamente bonita, con un registro central luminoso y aterciopelado. Presentó ciertas carencias en la zona grave y los agudos sonaron ocasionalmente hirientes, pero su musicalidad, exquisita línea de canto y profunda expresividad, compensaron sobradamente sus limitaciones.

Existía gran expectación por presenciar el retorno a nuestra ciudad del barítono Carlos Álvarez, en el papel de Maestro de Música, tras el prolongado periodo en que una grave enfermedad le ha mantenido apartado de los escenarios.

Me resulta enormemente satisfactorio poder decir bien alto que el cantante malagueño nos sorprendió a todos muy favorablemente, mostrando un estado vocal aparentemente estupendo. Es verdad que el papel no es excesivamente largo y que en su tramo final se le vio un poco forzado, pero exhibió potencia y musicalidad y fue un auténtico placer volver a reencontrarse con la nobleza de timbre de uno de los mejores cantantes que ha dado este país y al que deseo que muy pronto pueda retomar plenamente su carrera. De momento, en una sorpresa más de Helga (esta vez agradable), nos han anunciado de repente que, el próximo 15 de enero, Carlos Álvarez volverá a Les Arts para interpretar un recital de zarzuela.

Del resto del reparto destacaría a Nikolái Borchev como Harlekin, con bonito timbre y maneras de liederista, y al Brighella del tenor británico Barry Banks, muy solvente en lo vocal y sobresaliente en su interpretación. Notable actuación también de Vicenç Esteve como Maestro de Danza y Scaramuccio, y de Sandra Ferrández como Eco.

El público aplaudió calurosamente a todos los artistas y a la salida se podía palpar la emoción de las grandes noches, coincidiendo la gran mayoría en alabar la calidad de lo escuchado y en manifestar su sorpresa y admiración por la interpretación de Amber Wagner, a quien, por cierto, tuve oportunidad de saludar personalmente, pudiendo comprobar su simpatía y sencillez.

Desde luego es una soprano a seguir de cerca. A ver si Helga se anima y consigue que la podamos disfrutar por aquí más a menudo. Si no es así, por si hay alguien interesado os diré que tiene previsto cantar la Sieglinde de “La Valquiria” en junio del próximo año en Frankfurt.

DOBLE RACIÓN DE "ROMEO Y JULIETA" Y UN RECITAL DE PIANO

2011-12-13T01:13:00.001+01:00

La acumulación de eventos musicales a los que asistir el pasado fin de semana en Valencia, ha motivado que no haya tenido tiempo para dejaros aquí mis impresiones sobre todo lo visto y oído estos días. Así que, aunque sea con cierto retraso, quisiera al menos hablaros de la doble ración de “Romeo y Julieta” ofrecida en el Palau de les Arts y de un estupendo recital de piano que tuve ocasión de presenciar el domingo.

“ROMEO Y JULIETA” (Héctor Berlioz) – Auditorio del Palau de les Arts – 09/12/11

El director ruso Valeri Gergiev acudía de nuevo a Les Arts tras haberse puesto al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el estreno de la temporada 2009/2010 con “Les Troyens” de Berlioz. En esta ocasión la cita de Gergiev con el público valenciano era doble, por un lado dirigió a la agrupación titular de Les Arts en otra obra de Berlioz, su sinfonía dramática “Romeo y Julieta”; y al Ballet y Orquesta del Teatro Mariinski de San Petersburgo en una de las dos funciones programadas de otro “Romeo y Julieta”, en este caso el de Prokófiev.

Respecto al “Romeo y Julieta” compuesto por Héctor Berlioz, la dirección de Les Arts cometió dos errores de peso. En primer lugar, publicitarlo en su página web dentro del apartado “óperas”, con lo que gran parte del público que no conocía la obra se encontró con la sorpresa de que aquello de ópera tenía lo que Helga de top model, y no fueron pocos los comentarios que se escucharon, durante y tras la representación, extrañados ante la escasa parte cantada de aquella presunta ópera.

El segundo de los errores, de consecuencias mucho más graves, fue llevar el espectáculo a ese almacén de patatas de diseño que es el inaudible auditorio de Les Arts. Lo hemos dicho ya cientos de veces, pero como no nos hacen ni caso y somos muy pesaditos, seguiremos insistiendo: Por favor, dejen ya de utilizar el Auditorio para representaciones musicales y péguenle fuego en presencia de la Alcaldesa y la Fallera Mayor. Es unánime el clamor del público. Tienen una sala principal de excelente acústica que puede ser usada también para los conciertos, recitales y óperas en versión concierto y no existe justificación alguna para seguir condenando este tipo de eventos a ese recinto de incomodísimo acceso y donde el sonido tan sólo es medianamente aceptable en menos de un cuarto de las localidades de la sala.

A pesar de luchar contra todos esos elementos, la verdad es que los resultados musicales de este “Romeo y Julieta” fueron espléndidos. Valeri Gergiev llevó a cabo un trabajo de dirección impecable, equilibrado, de ritmo ágil, lleno de matices, con una fuerza lírica apabullante, extremadamente romántica pero sin empalago, y logrando que la riqueza orquestal de la partitura de Berlioz se desplegara en plenitud, gracias también a una ejecución soberbia de todos y cada uno de los atriles de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, que cuando están bajo las órdenes de directores de auténtica primera fila, y no las últimamente tan habituales “prometedoras batutas emergentes”, mejoran clarísimamente sus prestaciones.

Siempre puede ser injusto, con unos resultados globales tan buenos, destacar nominalmente sólo a algunos miembros de la orquesta, pero, francamente, me lo parecería más no reseñar el virtuosismo y pulcritud que mostraron todas las trompas, Joan Enric Lluna al clarinete, Luisa Domingo al arpa o un magistral Pierre Antoine Escoffier al oboe.

De los componentes del Coro de la Generalitat cualquier cosa que pueda decir suena ya redundante, pero una vez más volvieron a hacernos disfrutar de su excelencia y a conseguir que sigamos viviendo ese sueño en el que lo excepcional es tan habitual que nos parece lo normal. E incluso se aprecian mejoras, porque no sé si esta temporada lo he manifestado ya en alguna ocasión, pero vengo teniendo la sensación de que la cuerda de tenores ha mejorado sensiblemente. Hubo algunos instantes sublimes, pero el Coro Fúnebre de Julieta fue uno de esos momentos que tardarán mucho tiempo en olvidarse. El mérito del Coro esta vez ha debido ser mucho mayor, además, al tener que descifrar sin diccionario (deditos-castellano/castellano-deditos) el incomprensible lenguaje dígito-gestual de Gergiev cuando les marcaba las entradas.

Los solistas vocales elegidos para la ocasión tuvieron muy poca oportunidad de lucimiento. Pero Kenneth Tarver mostró frescura y agilidad con un bonito timbre lírico lígero; Mijail Petrenko, pese a carecer del peso y consistencia de un auténtico bajo, exhibió un fraseo intencionado y de gran musicalidad; y la mezzosoprano rusa Ekaterina Gubanova fue todo un lujo para los apenas cinco minutos en que pudimos extasiarnos con una voz privilegiada, bellísima, que rezuma calidez y potencia y que manejó con un gusto exquisito, aportando mil y un matices. Yo no pude evitar pensar por un momento lo que podía haber sido el “Boris Godunov”, recientemente ofrecido en Les Arts, con un acto polaco en que Gubanova hubiera compartido protagonismo con Nikolai Schukoff… Una gozada.

“ROMEO Y JULIETA” (Serguéi Prokófiev) – Palau de les Arts – 11/12/11

A pesar de mi reconocida aversión al ballet, que es algo de lo que no me enorgullezco en absoluto y sufro como particular limitación, esta vez no dudé demasiado en acudir a la función programada con dos grandes motivaciones para ello: la genial partitura de Serguéi Prokófiev, que me parece inspiradísima, y la posibilidad de escuchar la versión que de la misma ofrecía Valeri Gergiev al frente de la emblemática Orquesta del Mariinski.

Esta segunda expectativa se frustró pronto, ya que, cuando tenía ya las entradas compradas para el día 11, Helga nos regaló uno de sus afamados cambios de programa por el morro, y la actuación de Gergiev se limitó a la función del día 10, fecha para la que, además de no disponer de localidad, tenía previsto asistir al cine a ver la retransmisión de “Faust” desde el MET con Jonas Kaufmann y René Pape, como así hice y por cierto disfrutando un montón.

Así que me tuve que conformar con escuchar a la Orquesta del Mariinski dirigida por el batutero reserva de la casa, Alexei Repnikov, y la verdad es que no me acabó de convencer. Su dirección me pareció bastante ruda, áspera, estridente en muchas ocasiones y muy poco atenta al detalle, a excepción de algunos pasajes como el despertar de Julieta o el lamento de Romeo donde se atisbaron destellos de esa orquesta de renombre que es la agrupación de San Petersburgo.

Bueno, que es… o que ha sido, porque, sinceramente, después de haber escuchado 48 horas antes a la Orquesta de la Comunitat Valenciana (y eso que fue en el infecto auditorio), la comparación era sonrojante. El primer acto me pareció flojísimo, con múltiples desajustes en el foso, sonidos sucios y mala coordinación con el escenario. La cosa fue mejorando de ahí al final, pero el resultado quedó bastante lejos del nivel al que nos tiene acostumbrados nuestra orquesta.

La producción y coreografía presentada es la misma que en 1940 estrenase la obra en el Mariinski. Y eso se nota. Los decorados pintados tienen su gracia y son interesantes los ágiles cambios de escenografía, pero el conjunto desprendía más ranciedad que el salón-comedor de Sara Montiel.

De las coreografías y los bailarines no quiero decir nada porque mi ignorancia absoluta en el género me impide hacer juicios de valor, aunque mi impresión personal es que los bailarines, siendo buenos, tampoco eran el recopetín, pues fueron numerosos los movimientos a destiempo con la música o la falta de sincronización en las coreografías de grupo. De todas formas seguro que estoy equivocado porque el público aplaudió muchísimo y todos comentaban lo bonito que había sido todo.

Hombre, desde luego, prefiero mil veces antes este “Romeo y Julieta”, aunque sólo sea por la música, que el infumable y soporífero “Don Quixote” que vi este verano en Londres y del que os hablé aquí.

Como en casa Helga siempre hay algo para protestar, quisiera mencionar algo que me llamó poderosamente la atención y que no alcanzo a comprender. Y es que esta vez no han salido a la venta las entradas de visión reducida de 4º piso (15 euros) estando vacío todo el lateral y parte de los hombros de ese piso. Y esas localidades quedaron desocupadas al mismo tiempo que mucha gente se quedó en la calle sin poder comprar entradas para ninguna de las dos funciones, al haberse agotado a las pocas horas de haber salido a la venta. Yo seré muy cortito, pero no lo entiendo.

RECITAL DE PIANO - Pablo García-Berlanga - Ateneo Mercantil de Valencia – 11/12/11

No quisiera finalizar este post de hoy sin hacer una breve referencia al estupendo recital que ofreció el domingo por la mañana el pianista Pablo García-Berlanga (Valencia 1986).

Comenzó el concierto con dos páginas mozartianas, la Fantasía en do menor KV 475 y la Sonata en do menor KV 457. Pese a ponerse de manifiesto una cierta rigidez inicial, poco a poco la impecable ejecución, caracterizada por el virtuosismo y precisión de la digitación, fue llenándose además de espíritu, configurando una interpretación intensa y muy emotiva.

Lo mejor del recital vino a continuación, con tres de los Preludios (Libro 1) de Claude Debussy: “La fille aux cheveux de lin”, “La sérénade interrompue” y “La chatédrale engloutie”, donde llevó a cabo, especialmente en la última pieza, una delicadísima lectura, conmovedora, llena de madurez y comprensión de la escritura del compositor francés, que yo particularmente hacía mucho tiempo que no escuchaba con tal grado de belleza.

La segunda parte comenzó con las siete Fantasías opus 116 de Johannes Brahms, unas piezas en las que García-Berlanga supo revelar sutilmente todo el colorido y fuerza expresiva de la partitura, sin perderse dentro de la compleja densidad de la escritura brahmsiana, siendo revelador en este sentido la claridad de la exposición que presentó el pianista en el Capriccio Allegro Agitato que cierra la obra.

Y el concierto finalizó con tres fragmentos del “Romeo y Julieta” de Serguéi Prokófiev, poniendo auténtico broche de oro con una interpretación de Capuletos y Montescos que fue todo un ejemplo de precisión y riqueza dinámica.

Una calurosa ovación, de un público por cierto bastante ruidoso y molesto durante todo el recital, premió con justicia la labor de un joven pianista que está llamado a alcanzar muy pronto merecidos éxitos internacionales.

"LAS BODAS DE FIGARO" (W. A. Mozart) - Teatro Martin i Soler - Palau de les Arts - 05/12/11

2011-12-06T23:19:00.000+01:00

El pasado lunes tuvo lugar en la sala Martín i Soler del Palau de les Arts de Valencia la primera de las dos funciones (la siguiente será el día 10) de la cita de este año con los jóvenes artistas que ultiman su formación musical en el Centre de Perfeccionament Plácido Domingo. En este caso se ha elegido para ello la celebérrima ópera de Wolfgang Amadeus Mozart "Le nozze di Figaro" ("Las bodas de Fígaro", que no “La Noche de Figaro” como me espetó sin rubor alguno una amable señorita de las taquillas del teatro valenciano).

En la parte positiva hay que empezar reseñando que por vez primera esta temporada se han agotado las localidades. Es verdad que el aforo de la Martín i Soler es muy inferior al de la sala principal, pero desde hace una semana ya no había entradas disponibles y eso es una buena noticia. En primera fila se encontraban varios cargos de Les Arts, entre ellos la Intendente Helga Schmidt (por cierto con el mismo atuendo de siempre, que digo yo que en ropa no debe gastarse precisamente el abultado sueldo).

También estaba Justo Romero, a quien se denomina “dramaturgo del Palau de les Arts”, pero cuya ocupación estos últimos años, huérfanos de libretos, comentarios en los programas y actividades complementarias, es un enigma mayor que las líneas de Nazca. En esta ocasión Romero también firmaba como “comisario” de la exposición Detalls Magistrals, ubicada en el foyer, y que no es sino una recopilación de fotografías de los ensayos de esta producción, junto a otras cuantas de una histórica representación en La Scala con Mirella Freni y Wladimiro Ganzarolli (esposo de Helga Schmidt, fallecido el año pasado).

Este estreno suponía el debut del legendario bajo-barítono italiano Ruggero Raimondi al frente del Centro de Perfeccionamiento, tras haber sustituido a Alberto Zedda. Raimondi, como director de interpretación y escena del Centro, ha sido el encargado de la dirección escénica de la producción presentada, que contaba además con el apoyo del vestuario de Begoña del Valle y la iluminación de Antonio Castro.

La escenografía apenas consistía en unos cuantos elementos rescatados probablemente de anteriores producciones: un tendedero en el primer acto, un biombo y una chaise longue en el segundo, unas cuantas sillas en el tercero y un seto en el último. Con estos escasos, pero eficaces, elementos para ubicar la acción, el trabajo de Raimondi se ha centrado por completo en la dirección de actores y el movimiento escénico, y el resultado obtenido a mí me ha parecido magnífico.

Siempre que existe una buena comprensión del libreto y un trabajo serio en la faceta dramática, la austeridad escenográfica no tiene por qué lastrar el conjunto. Raimondi en este caso ha trabajado fundamentalmente la expresividad de los intérpretes, tanto en el plano vocal como en su gestualidad, donde se pudieron ver muchos detalles que reforzaban los perfiles de los personajes y facilitaban el seguimiento de la acción. Se ha sabido potenciar además la vertiente cómica del libreto sin caer en la exageración y, como decía, el resultado obtenido me parece muy positivo.

La dirección musical corrió a cargo de Andrea Battistoni, quien también debutaba al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana. El joven director italiano llevó a cabo un trabajo de batuta enérgico, muy vivaz, con tempi por momentos apresurados en exceso, echándose en falta una mayor minuciosidad y reposo, sobre todo en los fragmentos más líricos. En general la labor de Battistoni me pareció más rutinaria que brillante. Durante toda la obra, el foso estuvo plenamente al servicio de los cantantes, ocupando un segundo plano demasiado evidente y sólo en instantes puntuales despuntaba el auténtico potencial de la agrupación orquestal, con algunos sonidos exquisitos comandados por el auténtico terciopelo que brotaba de los violines.

Álvaro Octavio en la flauta, Cristopher Bouwman al oboe, Joan Enric Lluna al clarinete y Francisco Cerpa en el fagot destacaban en una última fila de la orquesta que cumplió con calidad excelente en todas sus intervenciones. También pudo destacar el polaco Rafal Jezierski al cello.

Tengo que hacer constar respecto a la Orquesta algo que me llamó la atención y es que vi a varios de sus componentes, en distintos momentos, bostezando, con la mirada perdida y con una importante sensación de aburrimiento. Cosa que no es nada habitual en estos músicos.

El Coro del Centro de Perfeccionamiento rindió a un gran nivel, tanto en lo que respecta al comportamiento escénico como prestando siempre el soporte vocal adecuado.

El bajo milanés Andrea Mastroni, en el papel de Figaro, fue el único de los cantantes que no pertenecía al Centro de Perfeccionamiento y la verdad es que estuvo muy por encima del resto de sus compañeros. Posee Mastroni una voz grave y profunda de muy bello color, riqueza tímbrica y sobrado volumen. Lástima que en los extremos de la tesitura el instrumento pierda consistencia y sobre todo en la zona aguda presente serias carencias. Sus mejores prestaciones vocales tuvieron lugar en el acto cuarto, sobre todo en el recitativo y aria “Tutto è disposto… Aprite un po' quegli' occhi”, donde ofreció algunos detalles de buen bajo mozartiano, y aunque tuvo alguna dificultad con el fiato, supo resolverla con inteligencia ajustando el fraseo.

En lo que respecta al resto de solistas, todos ellos integrantes del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo, lo primero que se debe destacar es su gran entrega vocal y escénica. En su faceta de actores estuvieron todos espléndidos, cuidando el lenguaje gestual y moviéndose en escena con gran soltura y naturalidad, dibujando con sutileza los perfiles de sus personajes.

En el plano vocal ya hubo un poco de todo. Los que seguís este blog sabéis que cuando hago las crónicas de estas funciones de los alumnos del Centro de Perfeccionamiento evito incidir en los aspectos negativos de los jóvenes cantantes. Y así lo haré también en esta ocasión, obviando cualquier comentario crítico, deseando que vayan evolucionando en su preparación y ajustando sus voces a sus posibilidades reales, aunque algunos de los que pudierais estar presentes en esta función concluyáis, con razón, que soy demasiado blando.

Helen Kearns fue una Susanna pizpireta y con gran desparpajo escénico que en lo vocal destacó sobre todo en el aria del cuarto acto “Deh, vieni, non tardar” donde apuntó algunos matices con sensibilidad.

Isaac Galán, como El Conde, me gustó más que en otras ocasiones, y Diana Mian, en el rol de La Condesa, brilló especialmente en los recitativos, estando mejor en “Dove sono i bei momento” que en “Porgi, amor, qualche ristoro” y toda la noche cuidó el uso de reguladores y las medias voces con mucho gusto.

Me agradó especialmente la Barbarina de Brigitta Simon y también presentaron detalles interesantes Alessia Nadin, como Cherubino, y Jesús Álvarez como Don Curzio, éste último con unos incomprensibles zapatones 7 tallas más grandes que la suya.

Mario Cerdá (Don Basilio) lució un atractivo timbre ligero, y de la Marcellina de Adriana Di Paola poco más podría decir aparte de que tiene unos ojos muy bonitos.

Pero como decía antes, lo que debe destacarse es la gran entrega de todos los cantantes y su enorme implicación dramática, que compensaba las limitaciones vocales que pudieran presentar. Y así lo entendió el público que llenaba la sala que premió a todos los intérpretes con cálidas ovaciones que fueron especialmente sonoras para Diana Mian.

No quisiera finalizar sin hacer otra de mis famosas quejas que acaban flotando en el éter sin que nadie haga ni puñetero caso. En esta ocasión mi protesta va dirigida al servicio de taxis a la salida de las representaciones en Les Arts. Yo no suelo ir en este transporte público, pero constato día tras día como pasan muchos minutos desde que finalizan las funciones hasta que empiezan a aparecer taxis por allí y, poco más tarde, cuando no queda ya nadie por los alrededores, las colas de taxistas charlando y echándose un cigarrito a la puerta de Les Arts superan la docena. Pero en fin, se ve que el fubol y Valencia son asín.

SIR ANDREW DAVIS SUSTITUYE A CHAILLY EN "ARIADNE AUF NAXOS"

2011-12-01T20:40:00.000+01:00

Según se ha sabido hoy, parece que será finalmente el director británico Sir Andrew Davis el encargado de sustituir a Riccardo Chailly al frente de la Orquesta de la Comunitat Valenciana en las funciones programadas para los próximos días 16 y 18 de diciembre, en el Palau de les Arts de Valencia, de la ópera de Richard Strauss “Ariadne auf Naxos”, en versión concierto.

Tras la decepción que sufrimos la pasada semana, al enterarnos de que problemas de salud volvían a impedir que pudiésemos ver a Chailly dirigiendo en Les Arts, algunos nos temimos lo peor y se especuló seriamente con la posibilidad de que incluso se cancelasen las representaciones previstas de “Ariadne auf Naxos”, dado lo cercano de las fechas del espectáculo y la dificultad de encontrar a un director disponible con garantías en tan breve plazo.

El veterano Sir Andrew Davis es actualmente director musical de la Lyric Opera de Chicago, donde precisamente estos días se encuentra dirigiendo esta ópera de Richard Strauss, finalizando allí sus compromisos el día 11 de diciembre y estrenando en Valencia el 16.

Davis es un director todoterreno que, en principio, parece asegurar un trabajo de batuta más eficaz que brillante, pero contando con una orquesta como la titular del coliseo valenciano, la elegancia y exuberancia de la maravillosa partitura de Strauss tienen presencia asegurada, aunque hayamos de padecer la infame acústica de esa cosa parida por Calatrava a la que decidieron llamar Auditorio para confundir al personal.

En cualquier caso, si definitivamente se confirma la presencia de Sir Andrew Davis en Valencia y que no se cancelan las representaciones de “Ariadne auf Naxos”, habremos de reconocer que, una vez más, Helga Schmidt y sus chicos habrán hecho bien los deberes en el plano artístico. Lástima que en su gestión administrativa interna y en la relación con el abonado y el público en general no sean igual de competentes.

Y finalizo hoy con este video perteneciente a los Proms de este año 2011, donde podemos ver a Sir Andrew Davis dirigiendo a la BBC Symphony Orchestra en un breve fragmento del poema sinfónico de Richard Strauss "Till Eulenspiegels":

video de Radio3Video

"LA CENERENTOLA" (Gioachino Rossini) - Palau de les Arts - 22/11/11

2011-11-23T23:24:00.003+01:00

Por primera vez en la breve historia del Palau de les Arts, con el estreno anoche de “La Cenerentola”, se representaba una ópera de Gioachino Rossini en la sala principal del teatro valenciano donde, hasta ahora, se había reservado la producción del compositor de Pésaro a la pequeña sala Martin i Soler y a cantantes del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo.

El hecho de que el estreno fuese un martes y que ayer estuviese lloviendo intensamente durante todo el día en la ciudad, contribuyó decisivamente (quiero pensar) a dejar de nuevo los asientos de Les Arts con muchos huecos, estando los pisos altos prácticamente vacíos. En conjunto poco más de media entrada (más Rappel). También pudo verse en el patio de butacas a Carlo Goldstein, el joven asistente de Omer Wellber que, por enfermedad de éste, le sustituyó a última hora en el “Boris Godunov” del pasado domingo, obteniendo un importante e inesperado éxito.

La producción de “La Cenerentola” presentada ayer fue concebida originalmente a finales de los 90 por el reputado regista Luca Ronconi para el Festival de Pésaro, donde se ha convertido en una de sus obras emblemáticas. La dirección de escena de Ronconi, a pesar de los años, conserva bastante frescura y resulta visualmente atractiva, aunque también presenta algunos puntos débiles.

La casa de Don Magnífico es una estancia llena de muebles apilados en diferentes niveles, lo que, si bien permite que en las intervenciones de conjunto la colocación de los cantantes favorezca una mejor distribución de las voces, exige a los intérpretes moverse por el escenario con riesgo de pegarse un buen batacazo. El palacio del príncipe está representado por una habitación de suelos de mármol rodeada de chimeneas, a una de las cuales llega Angelina para asistir al baile transportada por los aires por una cigüeña, en uno de los momentos más espectaculares de la producción.

La transición entre los dos ámbitos escenográficos se lleva a cabo mediante el izado y descenso, a la vista del público, de la plataforma sobre la que se asienta el decorado que representa la casa de Don Magnífico, bajo la cual está el palacio del príncipe. Esto origina largas interrupciones entre cuadro y cuadro, lo que lastra a mi juicio la agilidad de la propuesta, aunque sirva para hacer exhibición de la maquinaria escénica del teatro.

Ronconi ha acentuado con la dirección de actores la vertiente cómica del libreto, con una notable preocupación por remarcar los diferentes caracteres de los personajes, los cuales se ven aún más resaltados por el maquillaje y vestuario, éste por cierto bastante horrible.

En conjunto, una propuesta efectiva y divertida que no llega a entusiasmar, pero que tampoco me parece merecedora de los dos o tres abucheos aislados que se llegaron a escuchar al finalizar la función.

En el apartado musical, el joven director italiano Michele Mariotti debutaba anoche al frente de la Orquesta de la Comunitat Valenciana y he de decir que a mí me gustó. Su lectura de la página quizás no sonase todo lo rossiniana que uno imagina a priori, pero el vuelo lírico que imprimió me pareció más que interesante, alcanzando algunos momentos bellísimos donde la técnica contrapuntística del compositor de Pésaro pudo disfrutarse gracias a la batuta de Mariotti y los excelentes músicos a su cargo, pese a que los solistas vocales no ayudaban mucho, como en el quinteto del primer acto ”Nel volto estatico”. Mariotti marcó atento y con precisión las entradas de los cantantes, y resultaba curioso verle vocalizar el libreto, de principio a fin, mientras dirigía. Es verdad que hubo algunos desajustes y cierto descuido de la tensión en momentos puntuales, pero el conjunto de su dirección me pareció muy notable.

Una vez más fue todo un lujo poder escuchar a la Orquesta de la Comunitat Valenciana rindiendo a un altísimo nivel y, como me comentó un amigo en el entreacto, es inevitable cada día que pasa hacerse la pregunta: ¿cuánto puede durar esto con la que está cayendo? Esperemos que todo el tiempo posible, porque es una gozada poder disfrutar del increíble sonido de esa sección de cuerda que llega a hacer irrelevante casi cualquier referencia anterior que se tenga, o de esas flautas y clarinetes que también destacaron anoche especialmente.

El otro gran pilar de nuestro teatro de ópera, el magnífico Cor de la Generalitat, limitado en esta ocasión a su sección masculina, pese a algún fugaz despiste en el segundo acto ofreció también unas prestaciones dignas de aplauso.

Fue una auténtica pena que el buen rendimiento de orquesta y coro no se viera acompañado por un reparto solista homogéneo que brillase al mismo nivel y, aunque todos pusieron mucha voluntad, el resultado fue muy desigual.

La mezzosoprano Serena Malfi dio vida a la protagonista, Angelina, en lo que suponía su debut en España. Al alzarse el telón fue difícil no acordarse de Cecilia Bartoli por el aspecto físico de la cantante y el color oscuro de la voz con el que afrontó sus primeras notas, pero lamentablemente la comparación con la Bartoli acabó ahí, en breves segundos. La voz de Malfi tiene algunos acentos interesantes en la zona media, pero es muy pequeña, lo que unido a una emisión entubadísima, que parece provenir de la misma nuca, y a su incapacidad de proyectar adecuadamente, hace que quede tapada permanentemente por orquesta, coro y compañeros de reparto. Si la hubiesen sustituido por un muñeco de José Luis Moreno en los concertantes, el efecto hubiera sido el mismo, ella movía la boca pero daba igual que cantase o que mascase chicle. Su rondó final “Nacqui all’ affanno… non piú mesta” fue un cúmulo de despropósitos, agudos calados unos y capados los más, graves eructados, la expresividad de un berberecho cocido, coloratura tramposa, y adornos… los del pelo. Una Angelina francamente decepcionante.

Lo mejor de la noche en el plano solista vino de la mano del tenor ruso Dmitri Korchak, que ya nos enamorase con su Lensky de la pasada temporada y que anoche, aunque no estuvo al mismo nivel, volvió a destacar por encima de sus compañeros de reparto. Su preciosa voz, bien timbrada y rica en armónicos corrió luminosa por la sala. Comenzó un tanto frío, con algún agudo abierto y tirante, pero llegó al final pletórico y en su “Si, ritrovarla io giuro” dio toda una lección de potencia y elegancia belcantista, pese a que las agilidades no sean su fuerte.

Paolo Bordogna fue un Don Magnífico irreprochable en cuanto a lo actoral, con su punto justo de exageración, sabiendo dotar al rol del carácter bufo que requiere, con una interpretación soberbia en lo gestual y en el movimiento escénico. Vocalmente comenzó fatal, desafinando directamente y con dificultades en la emisión, pero poco a poco fue yendo a más y estuvo estupendo en su aria del acto segundo, ayudado siempre por su apabullante dominio de las tablas con el que se metió al público en el bolsillo desde el primer momento.

El barítono Mario Cassi, a quien ya hemos tenido ocasión de escuchar en Les Arts en algún papel como el Valentín de “Fausto”, fue un Dandini lastimoso. El joven cantante italiano puede que dé el pego en algún otro repertorio, pero anoche demostró estar absolutamente negado para el belcanto rossiniano, con ostensible falta de fiato, incapacidad técnica para moverse por las agilidades que exige la partitura, escuchándose todas sus respiraciones cual rebuznos y con continuas pérdidas de impostación. Una auténtica pena porque el papel de Dandini tiene gran importancia y deslució notablemente el conjunto.

El bajo coreano Simon Lim también se encuentra lejos de ser el Alidoro ideal. Tampoco pudo con la coloratura y producto de ello fue que en su aria del acto primero hubo un momento en que perdió a la orquesta produciéndose un evidente desajuste que se corrigió enseguida. Su voz tiene algunas bonitas resonancias en la zona media, pero carece todavía del suficiente peso en la zona grave.

Las dos hermanastras encarnadas por Cristina Faus y María José Moreno cumplieron con corrección, mostrando evidentes limitaciones cuando se escuchaban sus voces en solitario, pero conjuntándose sin embargo ambas a la perfección, sonando preciosas en los dúos.

El público de ayer se mostró bastante frío, no sé si por la humedad que reinaba en el exterior o porque tampoco les estaba gustando mucho el espectáculo, y al final tan sólo fue clamorosa la ovación dedicada a Paolo Bordogna, con fuertes aplausos también para Korchak, Malfi y la orquesta, pero que fueron extremadamente cortos de duración, finalizando antes de bajarse el telón y encenderse las luces, ante cierta perplejidad de todos los que estaban en el escenario. La dirección escénica de Luca Ronconi, representada por su adaptador Ugo Tessitore, fue objeto de generalizados aplausos de cortesía y, como dije antes, de un par de abucheos aislados.

Me gustaría poner de manifiesto, a quien corresponda, que el ruido que se escucha últimamente en la sala principal de Les Arts proveniente del sistema de aire acondicionado está alcanzando unas proporciones muy molestas y el zumbido persistente se oye desde cualquier punto del teatro en cuanto el nivel de la música es bajo.

Por otro lado también quisiera dejar constancia, una vez más, de mi inútil queja por las estúpidas traducciones al castellano de los libretos en la subtitulación, donde siguen obsequiándonos con giros y expresiones “actuales” como: “que se te pasa el arroz” o “me quedo de pasta de boniato”, pretendiendo (supongo) acercar el texto a los más jóvenes o hacerse los graciosillos, pero consiguiendo únicamente sonrojar al público, al que parece que toman por imbécil.

No quiero finalizar sin hacer referencia a un par de noticias de las que tuvimos conocimiento anoche. En primer lugar se ha hecho ya oficial, muy lamentablemente, que Riccardo Chailly no dirigirá en Les Arts la ópera “Ariadne auf Naxos”, de Richard Strauss, prevista para mediados de diciembre, al estar siendo objeto el director italiano de pruebas cardiológicas que le han obligado a cancelar todos sus compromisos para el próximo mes. Ahora queda en manos de la dirección del teatro valenciano decidir si cancela definitivamente la representación, la pospone o busca a otro director con garantías, cosa que en las fechas en que nos encontramos me parece harto difícil.

Por otro lado, ya se van confirmando parte de los repartos previstos para las funciones del Festival del Mediterrani. Para “Il Trovatore” se anuncia que Jorge de León estará acompañado por la soprano italiana María Agresta y por el barítono Sebastián Catana. En “Medea”, Violeta Urmana asumirá el papel protagonista, anunciándose a María José Montiel como Neris, Ofelia Sala como Glauce, y del elenco masculino nada se sabe aún. Y para “Tristán e Isolda” la protagonista femenina será Jennifer Wilson, con Ekaterina Gubanova como Brangane y el barítono británico James Rutherford, intuyo que como Kurwenal.

Veremos en qué queda todo al final.

"SILENT NOON" - RALPH VAUGHAN WILLIAMS

2011-11-17T00:05:00.001+01:00

"Bendita Doncella" (detalle) - Dante Gabriel Rosetti - 1875 - Fogg Art Museum.

Al igual que supongo que les pasará a otros muchos aficionados a la música clásica, mi primer contacto del que soy consciente con las obras del compositor inglés Ralph Vaughan Williams (1872-1958), vino de la escucha, en el mítico programa Clásicos Populares, de su “Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis”, una música que luego volvería a redescubrir unos años después como motivo principal de la banda sonora de la película de Gonzalo Suárez “Remando al Viento”.

Y, por cierto, una de las cosas que siempre me ha llamado la atención de este compositor es cómo pronuncian su nombre sus paisanos (algo así como Reif Vonn Uiliams) lo que me ha proporcionado más de un equívoco en alguna tienda de discos londinense.

Ralph Vaughan Williams es universalmente conocido, sobre todo, por su producción sinfónica, pero en el terreno de la canción cuenta también con un importante número de obras, habiendo escrito a lo largo de su vida alrededor de ochenta, algunas de ellas merecedoras de una mayor repercusión, especialmente fuera de las fronteras de las islas británicas donde sí han alcanzado cierta popularidad.

El interés de Vaughan Williams por la canción no se limitó a dar rienda suelta a su creatividad con esas composiciones, sino que además fue un recopilador casi compulsivo de canciones populares inglesas y se habla de su afición a viajar por los pueblos de la campiña en busca de nuevas piezas que añadir a su colección.

En 1904, Vaughan Williams escribe el ciclo para voz y piano “The House of Life”, integrado por seis canciones que compuso a partir de la colección de sonetos del mismo título que escribiese el poeta y pintor prerrafaelita londinense Dante Gabriel Rosetti (1828-1882). El soneto XIX de esa colección es el titulado “Silent Noon”, y sobre sus versos Vaughan Williams compondría la segunda de las canciones del ciclo “The House of Life”, que es la que quería traer yo hoy al blog, y que constituye una de las más célebres y bellas de cuantas escribió, siendo la única canción del ciclo en ser publicada e interpretada con anterioridad y de forma independiente a éste.

En esta creación de Vaughan Williams, el compositor no trata tanto de transcribir en frases musicales los versos de Rosetti, describiendo lo que allí se va narrando, cuanto de transmitir al oyente emociones. En concreto la sensación de paz y comunión con el ser amado y la naturaleza que se desprende del poema, para hacernos partícipes, junto a sus protagonistas, de ese momento imborrable en que la felicidad interior de los amantes encuentra su marco perfecto en el silencioso y reposado mediodía.

La versión que he elegido es una de mis favoritas y corresponde a la grabación que hiciese en 1952 la genial Kathleen Ferrier junto al pianista Frederick Stone. La belleza de la oscura y peculiar voz de la contralto británica y su desbordante expresividad hacen difícil encontrar una interpretación más emocionante de esta preciosa canción de Vaughan Williams:

video de andigrim007

"SILENT NOON" (Mediodía Silencioso)
Your hands lie open in the long fresh grass,

The finger-points look through like rosy blooms:

Your eyes smile peace. The pasture gleams and glooms

'Neath billowing skies that scatter and amass.

All round our nest, far as the eye can pass,

Are golden kingcup fields with silver edge

Where the cow-parsley skirts the hawthorn hedge.

'Tis visible silence, still as the hour glass.

Deep in the sunsearched growths the dragon-fly

Hangs like a blue thread loosened from the sky: -

So this winged hour is dropt to us from above.

Oh! clasp we to our hearts, for deathless dower,

This close-companioned inarticulate hour

When twofold silence was the song of love.

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Tus manos están abiertas en la larga y fresca hierba,

las puntas de tus dedos parecen brotar como flores rosadas.

Tus ojos sonríen en paz. Los pastos relucen y se oscurecen

bajo las ondulantes nubes que se dispersan y agrupan.

Alrededor de nuestro nido, hasta donde el ojo alcanza,

hay campos dorados de caltas, con bordes plateados

donde el perifollo bordea el seto de espino.

El silencio es visible, inmóvil como el reloj de arena.

En lo profundo de los brotes que buscan el sol

la libélula cuelga como un hilo azul lanzado del cielo.

De igual modo, esta hora suspendida gotea sobre nosotros.

¡Oh! Aferrémonos a nuestros corazones, para recibir esta dote inmortal,

esta hora inarticulada en compañía,

cuando el silencio de los dos era una canción de amor.

"BORIS GODUNOV" (Modest Mussorgsky) - Palau de les Arts - 05/11/11

2011-11-06T23:24:00.001+01:00

Ayer, por fin, en una noche más fría de lo esperado, dio comienzo la temporada de ópera 2011-2012 en el Palau de les Arts de Valencia con el estreno de la obra de Modest Mussorgsky “Boris Godunov”, una de las composiciones emblemáticas del género operístico ruso.

Lamentablemente se vieron demasiados huecos en la sala principal de Les Arts para ser la función de inauguración de la temporada. Faranduleo de todo a cien, politiqueo y gorrones varios no faltaron, claro, con la presencia en el palco por vez primera del nuevo President de la Generalitat, Alberto Fabra, y una corte de carguitos y pelotas que le seguían permanentemente, entre ellos la consellera de Cultura Lola Johnson.

Pero, como decía antes, lo más preocupante fue ver más asientos vacíos de lo que es normal en un estreno de comienzo de la temporada, y esa es la peor noticia posible en la situación actual de incertidumbre sobre su futuro en que se encuentra el teatro valenciano. Y encima, en una obra que no es de las más fáciles y con tanto gorrón poco cultivado, tras el descanso los vacíos aumentaron.

Pero bueno, entrando ya en lo importante, esta coproducción del Palau de les Arts con la Fondazione Lirico Sinfonica Petruzzelli e Teatri di Bari y con el Teatro Regio di Torino, inauguró precisamente también la pasada temporada en este último. La versión ofrecida en Les Arts, como ya sucediera en Torino, es la original concebida por Mussorgsky en 1869, omitiendo por tanto el bellísimo acto polaco introducido en 1872, aunque se ha añadido el cuadro del bosque de Kromy con el que finaliza esa versión de 1872, pero intercalada antes del cuadro de la muerte de Boris. En cualquier caso, para conocer más sobre las versiones de “Boris Godunov” y sobre la obra misma, os recomiendo pasar por el blog de maac, de quien también os recomiendo leer la estupenda crónica que ha hecho de este estreno y que podéis ver aquí.

La dirección escénica e iluminación han corrido a cargo del director de cine ruso Andréi Konchalovski. Se caracteriza su puesta en escena por una escenografía de Graziano Gregori muy escueta, apenas unas plataformas móviles inclinadas que consiguieron algunos efectos visuales interesantes, como la caída final del trono a la muerte de Boris o la salida de éste en la escena de la coronación, y tan sólo unos pocos objetos de mobiliario que servían para distinguir en medio de tal sobriedad escénica los distintos espacios físicos en que se desarrollan los cuadros de la obra. Se ha dejado que lo primordial sea la música, el canto y la expresión de las emociones, el mundo interior de los personajes, siendo el vestuario realista de Carla Teti el único vehículo que nos remite a la época y lugar en que se desenvuelve la acción, sirviendo también para marcar las diferencias sociales existentes en la población de la Rusia zarista.

La espléndida iluminación ayuda también a remarcar la carga emocional de las situaciones que viven los personajes y proporciona algunos sugerentes juegos de luces y sombras, como ese gran momento en que el trono de Boris proyecta su larga sombra sobre el escenario.

Todo eso es importante en una obra con una carga psicológica tan fuerte como es esta, pero requiere, además, de unos intérpretes sólidos en el aspecto expresivo, y sobre todo de una dirección de actores coherente y trabajada. Y precisamente en ese punto creo que es donde la propuesta de Konchalovsky convence definitivamente. Se aprecia un consistente trabajo actoral con los cantantes, que resulta especialmente significativo en los movimientos de las masas corales, habiéndose extraído toda la potencialidad teatral del coro, con la dificultad añadida en este caso de su abultado número de componentes y de tener que actuar entre plataformas móviles. Todas estas circunstancias están resueltas con maestría y posiblemente la experiencia cinematográfica del director ruso haya tenido mucho que ver en el innegable éxito que obtuvo ayer la dirección escénica.

Omer Wellber ha iniciado su primera temporada como titular de la dirección musical de Les Arts con una auténtica prueba de fuego como es “Boris Godunov”. El israelí cuenta con una baza importantísima a su favor como es la de tener bajo sus órdenes a una agrupación excepcional como la Orquestra de la Comunitat Valenciana y con una partitura como la de Mussorgsky llena de fuerza dramática de principio a fin, y es indudable que con esos mimbres el cesto no podía ser demasiado malo. Es verdad que dio la impresión el israelí de comenzar un poco perdido y su dirección me pareció por momentos más rutinaria que intensa, pero en conjunto creo que pasó la prueba con nota, sabiendo mantener la tensión dramática y con momentos en los que hizo brillar especialmente a la orquesta, como la escena de la coronación. Mantuvo en todo instante una impecable conexión entre foso y escena y yo le criticaría un cierto descontrol en el abuso de decibelios, que tapó a los solistas en no pocas ocasiones.

Los movimientos que ha habido en la Orquestra de la Comunitat Valenciana durante estos meses entre temporada y temporada, afortunadamente no parecen haber menguado la excelencia de la agrupación, que ayer volvió a maravillar con la exquisitez de su sonido, con una sección de cuerda que sigue estando en estado de gracia y donde quiero destacar a las violas que tuvieron un par de intervenciones de auténtico lujo. Igualmente merecen destacarse las actuaciones solistas del oboe de Christopher Bouwman y la flauta de Álvaro Octavio.

El nunca suficientemente alabado Cor de la Generalitat tenía aquí una obra propicia para el lucimiento, donde el pueblo ruso se convierte en el auténtico protagonista de la ópera, y lo consiguió con creces, y ello pese a que en esta ocasión la prueba se complicaba más, tanto por la complejidad del idioma, como por esa escenografía móvil que exigía una atención permanente al movimiento escénico. Un empaste impecable, con la rotundidad que exige la partitura, y una actuación teatral excelente fueron claves para que lograsen transmitir de forma idónea el lamento y la rabia de un pueblo ruso permanentemente oprimido.

Las mismas alabanzas las hago extensivas a los jóvenes integrantes de la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats y de Pequeños Cantores de Valencia, que llevaron a cabo una labor magnífica.

En una ópera como “Boris Godunov”, donde se incide tanto en lo más íntimo de la personalidad del personaje principal, se requiere un cantante que sea capaz de transmitir con su voz todas las emociones, sabiendo combinar la vertiente más humana del mandatario y su atormentado remordimiento, con su crueldad y ambición. El bajo Orlin Anastassov quizás sea demasiado joven para el papel, pero esa no es su principal carencia, lo cual además compensa con su impresionante envergadura física. Es verdad que el búlgaro tiene una voz realmente bonita, de acentos claramente eslavos, y es un estupendo cantante que hizo un notable trabajo para acentuar los matices del papel, pero su timbre es posiblemente más claro de lo deseable y le falta claramente rotundidad vocal, especialmente en la zona más grave, presentando problemas para proyectar adecuadamente, por lo que, lamentablemente, en muchos momentos se vio tapado por la orquesta y eso en un Boris es imperdonable. No obstante, su rendimiento fue bueno y, hoy por hoy, quitado René Pape, no se me ocurren muchos más nombres que pudieran mejorar el resultado.

El tenor austriaco Nikolai Schukoff, que ya me sorprendiese muy favorablemente como Narraboth en la “Salome” de hace dos temporadas, fue un Grigori (falso Dmitri) de muchos quilates. Su potente voz lírica, de gran belleza, corría con facilidad por la sala y se imponía a la orquesta. Fue una lástima la supresión del acto polaco, porque allí hubiera tenido territorio para lucirse mucho más.

El veterano Vladimir Matorin, con una voz ya no tan fresca como antaño, pero conservando sus resonancias de auténtico bajo ruso y un gran volumen, compuso un Vaarlam excepcional, ayudado además por una interpretación magnífica como actor.

Excelente también fue la actuación de Ilona Mataradze como Xenia, deleitándonos con una preciosa voz cristalina que adornó con unos soberbios matices. Somos ya muchos los que pensamos que esta cantante merece papeles de mayor envergadura.

Aunque las voces infantiles no son precisamente mi debilidad, agradecí en este caso que el papel de Fiódor fuese interpretado por un niño contralto, Iván Khudyakov, en lugar de por una cantante femenina travestida.

El resto de solistas, como el Pimen de Alexánder Morozov o la Posadera de Nadezhda Serdiuk se mantuvo en un buen nivel. Emilio Sánchez, como de costumbre, mejor como actor que como cantante; más flojete me pareció Andréi Zorin como el Idiota, pero al fin y al cabo, haciendo de idiota no desmerecía demasiado; y caso aparte fue Konstantín Plúzhnikov, un deplorable Shúyski, que me hizo dudar de si realmente era un tenor profesional o un payaso del circo instalado actualmente frente al Palau de les Arts que se había colado allí de rondón.

Fuertes ovaciones premiaron la actuación de todos los artistas, siendo especialmente reconocidos Matorin y Anastassov. Patética era la imagen que presentaba el patio de butacas cuando los escasos cinco minutos de aplausos estaban finalizando, pues apenas una veintena de personas quedaban en la platea.

Una de las primeras en salir a la carrera fue la concejala de cultura y presidenta del Palau de la Musica de Valencia, Mairen Beneyto, quien por cierto no dejo de juguetear con su teléfono móvil durante toda la función molestando con su luz, y las prisas en salir de allí desde luego no serían por encontrar un taxi, pues tenía su coche oficial esperando fuera, igual que el resto de carguetes, lo cual, aprovecho para decir, que me parece vergonzoso e irritante con la que está cayendo.

ME PONGO COLORADO CUANDO TE MIRO (I)

2011-11-02T23:27:00.000+01:00

Con este título quiero iniciar hoy una serie de entregas en las que iré dando a conocer, con suficiente distancia entre una publicación y la siguiente para permitir nuestra recuperación cerebral, algunos videos en los que artistas consagrados del mundo de la ópera nos sorprenden perpetrando actuaciones sonrojantes, bien por dedicarse a hacer cosas que no son precisamente las suyas o porque se acompañan en sus interpretaciones por quien no deben, dejando así una tacha indeleble en su historial sin que sepamos muy bien a qué se ha debido semejante incursión en las profundidades del Averno: ¿a la falta de dinero?, ¿a agentes sádicos y despiadados?, ¿a apuestas perdidas en una noche de borrachera?, ¿a traumatismos craneoencefálicos?...

Desde ya os digo que las autoridades sanitarias desaconsejan el visionado de estos videos de un tirón sin ansiolíticos a mano y lo prohíben directamente a personas con enfermedades del sistema nervioso o con oído absoluto.

No hay duda de que uno de los habituales de esta sección será el siempre admirado Plácido Domingo, quien, en su versatilidad artística, ha incurrido en múltiples ocasiones en cosas que no le hacían ninguna falta y que han coloreado inevitablemente las mejillas de sus admiradores. Ahí está por ejemplo este video del tema de Manuel Alejandro “Soñadores de España”, toda una leyenda, grabado por el tenor madrileño junto a Julio Iglesias. Sobran las palabras:

video de NECA1629

Rolando Villazón no necesita tampoco muchas compañías para sacarnos los colores por menos de nada, pero si encima se une al espeluznante Andrea Bocelli y a esa especia de ovejita lucera llamada Katherine Jenkins para maltratar “Non ti scordar di me” (No me olvides), de Ernesto de Curtis, los resultados son dignos del título de la canción. Efectivamente se hace difícil olvidarnos de esto:

video de lovinthe80s1

Luciano Pavarotti es otro cantante que tiene material para protagonizar él solito esta sección. Ya lo iremos viendo, pero para ser el primer día podemos empezar disfrutando de esta actuación al lado de Barry White en “You’re the first, the last, my everything”. Se le ve completamente fuera de lugar, tenso y parece decir ¿quién me mandaría a mí…?. En la salida de los inmensos cantantes a escena no se sabe si van a cantar o a protagonizar un combate de Pressing Catch:

video de tonyontele

Si uno se empeña en actuar con su pareja aunque esta tenga la musicalidad de una ameba sorda, pues le puede pasar lo que a Dmitri Hvorostovsky en este dúo de “La Viuda Alegre” de Franz Lehar. El ruso no comienza tampoco muy bien, la verdad, pero cuando entra en acción su esposa Florence, la vergüenza ajena se adueña de la sala y ellos allí, tan contentos y enamorados mientras el mundo se hunde a su alrededor:

video de MARISOLDELMONACO

Y es que lo de ir por ahí con la familia tiene estas cosas. Aquí tenemos también una actuación de la gran Montserrat Caballé con su hija Montserrat Martí. Pero eso no es lo peor, sino que ambas además están acompañadas por Al bano, y todos juntitos se lanzan con el “Ave María” de Gounod, y claro, pasa lo que pasa. Afortunadamente el video se corta antes del final:

video de PugliaLiveNet

Y voy a finalizar por hoy este festival del horror con mi querida Anna Netrebko, que lamentablemente tampoco se libra de la vergüenza ajena. Para ejemplo valga este suculento video en el que la soprano rusa acompaña a ese ser vivo con orejas y de fino estilismo (curiosa mezcla entre tertuliano de La Noria, Pumuki y José Luis Rodríguez “El Puma”), que se hace llamar Philip Kirkorov, interpretando (o lo que sea) esa cosa que pretende ser una canción llamada “La Voz”. Dicen que el video tardó dos meses en montarse (intuyo que por el irremediable fallecimiento de los sucesivos montadores) y que tuvo que grabarse en un solo día por los muchos compromisos de los cantantes (aunque supongo que el mayor compromiso sería el de Netrebko de salir corriendo de allí cuanto antes). El resultado final no tiene desperdicio… bueno, más bien todo él es puro desperdicio:

video de kirkorovofficial

PREMIOS "HELGA DE ORO 2011". LOS GANADORES

2011-10-30T21:57:00.002+01:00

A menos de una semana para que “Boris Godunov” inaugure en el Palau de les Arts la temporada operística 2011-2012 (que algunos parece que estén empeñados en conseguir que sea la última), los votos de los lectores del Blog de Atticus ya han elegido destinatarios para los premios “Helga de Oro” correspondientes a la pasada temporada 2010-2011.

Antes de nada, como siempre, quisiera agradeceros vuestra participación en esta tontería que un día me dio por promover. No sé si los resultados obtenidos serán o no representativos de lo que pueda ser la opinión mayoritaria del público que acude habitualmente al Palau de les Arts, aunque creo que no diferirá mucho, pero desde luego lo son respecto de las personas que se pasan por aquí.

Soy consciente de que premiar “lo mejor” o “lo peor” es una tarea que no suele ser fácil, implica demasiada simplificación y muchas veces es injusta, pero siempre he pensado que, aunque sea dentro de los reducidísimos límites de este blog, es positivo conocer qué opina el aficionado respecto a la programación operística que se le ofrece. No se trata tanto de resaltar lo mal o lo bien que lo puedan haber hecho determinados artistas, potenciando filias y fobias, cuanto de que se sepa aquello que gusta o no gusta al público, aunque luego los responsables artísticos de Les Arts se pasen la opinión por allí mismo y sus alrededores.

Yo, como de costumbre, me había reservado mi opción de votar por si hubiese habido que desempatar en alguna de las categorías, pero no ha hecho falta mi intervención y, aunque en apartados como el de mejor tenor ha habido mucha igualdad entre algunos candidatos, en la mayoría de categorías, desde el principio mismo de la votación, se han destacado claramente los finalmente ganadores.

Como resumen, se podría decir que la indiscutible triunfadora de la temporada 2010-2011 en Les Arts ha sido la reposición de la producción propia del teatro valenciano de la ópera “Fidelio” de Beethoven, que inaugurase en 2006 el recinto valenciano y que se pudo ver el pasado mes de junio dentro del IV Festival del Mediterrani, la cual ha obtenido cuatro de las siete “Helga de Oro” que se repartían, incluyendo la correspondiente a Mejor Espectáculo de la temporada. Los otros tres premios dorados se los han repartido “Tosca”, “Aida” y “Mefistofele”, con lo que se han ido de vacío dos producciones como “Yevgueni Oneguin” y “L’Elisir d’amore” que yo pienso que hubieran merecido algo más.

En la tradicional gala* virtual celebrada esta misma noche en el Palau de les Arts, y a la que pertenecen algunas de las imágenes que ilustran este post, se ha procedido a la entrega de los premios a los galardonados. La Intendente Schmidt ha presidido el acto luciendo el nuevo look que puede verse en la fotografía de la derecha y con el que se apunta como posible nueva chica Bond. Este año la crisis ha vuelto a hacer mella en el evento y los tristes bocadillos de chóped de la última edición han sido sustituidos por Boca Bits, y sándwiches de margarina de tres colores, todo ello regado con abundante Champín de fresa.

Los galardonados han sido:

Helga de Oro a la mejor Dirección Escénica: Pier’Alli por “Fidelio”.

Pocas dudas parecen haber existido entre los votantes sobre cuál era la mejor puesta en escena que había pasado por Les Arts la pasada temporada. Desde el primer minuto de votación, la propuesta concebida por el italiano Pier’Alli en 2006 para inaugurar el teatro valenciano con la ópera “Fidelio”, comenzó a destacarse claramente, habiendo obtenido el 50 por cien de los votos en este apartado. También era esta mi opción preferida, aunque he de reconocer que pensaba que el original trabajo de Damiano Michieletto para “L’Elisir d’Amore”, iba a obtener un mejor resultado que los escasos 11 votos que ha recibido, pese a haber quedado en segunda posición.

Pier’Alli: 25 votos

Damiano Michieletto: 11 votos

Robert Lepage: 7 votos

Vincent Paterson: 5 votos

Mariusz Trelinski: 2 votos

Helga de Oro a la mejor Dirección Musical: Zubin Mehta por “Fidelio”.

Este ha sido otro de los galardones donde ha habido una holgada diferencia de votos desde el principio, teniendo muy claro los votantes, y yo también, que había que recompensar el excelente trabajo de Zubin Mehta al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en “Fidelio”, con lo que el director indio consigue este premio por segundo año consecutivo. Pero, pese a la justicia de este galardón, nos queda cierto sabor agridulce viendo como el magistral trabajo de batuta de Nicola Luisotti en “Mefistofele” queda sin premio, al igual que la genialidad (esta ya más discutida) de Lorin Maazel en “Aida”. Más preocupante es que el sucesor de éste, Omer Wellber, no haya obtenido ni uno solo de los votos emitidos en este apartado, quedando en último lugar.

Zubin Mehta (Fidelio): 29 votos

Lorin Maazel: 9 votos

Nicola Luisotti: 8 votos

Zubin Mehta (Tosca): 3 votos

Omer Wellber: 0 votos

Helga de Oro al mejor tenor: Jonas Kaufmann.

Si de sabor agridulce hablaba en el apartado anterior, otro tanto se podría decir de este premio al mejor tenor de la temporada. Aquí sí que ha existido una reñida pugna, desde el principio al fin de la votación, entre Jonas Kaufmann y Dmitri Korchak. Al final, por tan solo 3 votos de diferencia, el premio ha ido a manos del alemán, que nos enamoró con el impresionante Florestan que se marcó el 22 de junio pasado, en aquella visita inesperada para cantar una sola noche este breve (y exigente) papel. Pero no hubiera sido más injusto que se hubiera llevado el premio Korchak, por un Lensky lleno de lirismo y sensibilidad, con detalles de un gusto exquisito; o Seiffert, por un Florestan pletórico por entrega y con una voz que dejó momentos bellísimos pese a acusar el paso de los años; o Jorge de León, por su espectacular debut como Cavaradossi; o Ramón Vargas, por la elegancia y delicadeza de su canto… En fin, afortunadamente este año en este apartado ha habido mucho y bueno donde elegir.

Jonas Kaufmann: 19 votos

Dmitri Korchak: 16 votos

Jorge de León: 8 votos

Ramón Vargas: 8 votos
Peter Seiffert: 5 votos

Helga de Oro al mejor Bajo/Barítono: Bryn Terfel.

La verdad es que este premio no ha sido una sorpresa para nadie. Desde la designación de los candidatos se veía venir que Terfel iba a arrasar en las votaciones. Su Scarpia ha sido uno de los mejores acontecimientos que ha pasado por el escenario de Les Arts, tanto por calidad vocal como por personalidad escénica y fuerza interpretativa, y el galardón llevaba su nombre puesto, pese a la calidad y meritorio trabajo llevado a cabo por sus rivales en esta categoría, que, de no haber competido con Scarpia, nos hubiesen proporcionado una emocionante y reñida votación. A la salida del acto pude conversar brevemente con el cantante galés, quien manifestó: “la estatuilla es fea de narices, pero muchas gracias. A ver si tenéis cocos de premiar el año que viene también al Scarpia de Marco Vratogna, jajaja…”.

Bryn Terfel: 34 votos

Erwin Schrott: 10 votos

Ildar Abdrazakov: 4 votos

Stephen Milling: 4 votos

Artur Rucinski: 1 voto

Helga de Oro a la mejor cantante femenina: Daniela Barcellona.

La escasez este año de candidatas al premio y la calidad de la interpretación que llevó a cabo la mezzosoprano Daniela Barcellona del personaje de Amneris en “Aida”, también parecían garantizar la victoria de la cantante triestina con holgada mayoría de votos, como así ha ocurrido, ya que ha obtenido el mayor número de votos y porcentaje de todas las categorías. Es significativo que haya estado acompañada en la candidatura por dos cantantes que venían de segundos repartos (Hui He y Kristine Opolais) y por dos sopranos cuya actuación había generado controversia (Oksana Dyka y Jennifer Wilson), pero es que no había más nombres para elegir en papeles femeninos protagonistas (para el olvido quedan gente como Indra Thomas, Irina Mataeva, Aleksandra Kurzak, Rocío Ignacio o Ailyn Pérez).

Daniela Barcellona: 35 votos

Kristine Opolais: 8 votos

Jennifer Wilson: 6 votos
Oksana Dyka: 4 votos
Hui He: 3 votos

Helga de Oro al cantante revelación: Fabio María Capitanucci.

Ya sé que el concepto “cantante revelación” es relativo, sobre todo cuando se trata de artistas que, pese a actuar por primera vez en Les Arts, llevan ya unos años de carrera a sus espaldas, o porque algunos de los nombres propuestos tuvieron poca ocasión de dejar apreciar su auténtica valía por lo breve de sus papeles; pero el jurado ha procurado incluir aquí a cantantes que combinen el hecho de haber actuado por vez primera en Les Arts y que, sin estar propuestos en ninguna de las restantes categorías, hayan dejado detalles interesantes que sean merecedores de reconocimiento y que nos hayan motivado a desear volver a verles actuar en papeles de mayor enjundia. Finalmente, tras una gran igualdad inicial entre la soprano Yannick-Muriel Noah y el barítono Fabio Capitanucci, ha sido el cantante italiano quien ha obtenido el galardón, con gran alegría por mi parte, pues personalmente no me acabó de convencer la cantante canadiense, pese a que crítica y público coincidieron en alabar su Margherita de “Mefistofele”. De todas formas, mi voto se debatía entre el Gremin de Groissböck y la Gianetta de Mataradze.

Fabio Capitanucci: 21 votos

Yannick-Muriel Noah: 13 votos

Ilona Mataradze: 9 votos

Günther Groissböck: 8 votos

Jenniffer Lynn Waters: 3 votos

Helga de Oro al mejor espectáculo: “Fidelio”.

Este ha sido sin lugar a dudas el premio que menos emoción ha generado de todos, pues también desde el principio parecía bastante claro que la estatuilla estaba destinada a la producción del Palau de les Arts de “Fidelio”, que contó con una dirección musical y escénica y unos solistas de primer nivel, en la que ha sido indiscutiblemente la ópera más redonda de toda la temporada. En segundo lugar, aunque a gran distancia, ha quedado un “L’Elisir d’Amore” que, como ya dije antes, creo que fue una interesante y original producción que merecía mayor reconocimiento, el cual posiblemente hubiera obtenido con unas Adinas menos decepcionantes que Kurzak y Rocío Ignacio.

"Fidelio": 31 votos

“L’Elisir d’Amore”: 8 votos

“Aida”: 6 votos

“Yevgueni Oneguin”: 2 votos

“Tosca”: 1 voto

Helga Abucheadora a lo peor de la temporada: “1984”, de Lorin Maazel.

Una vez más, mi poco admirado Vittorio Grigolo se ha librado de la Helga Abucheadora, pero lo cierto es que en esta ocasión ha vuelto a tener unos contrincantes que le han puesto relativamente fácil la escapatoria. En los primeros días de votación hubo bastante igualdad entre la infame Aida que perpetró Indra Thomas y el pestiño king size concebido en una noche de resaca por el maestro Maazel, pero al final los votantes han dejado claro que debía señalarse la ópera del ex director musical de Les Arts como lo peor que pasó por aquí la pasada temporada. Yo en su momento fui bastante duro con “1984” y sigo manteniendo todo cuanto escribí, pero considero que peor que Indra Thomas ha habido pocas cosas en este teatro… incluida la Voulgaridou…

“1984”: 23 votos

Indra Thomas: 14 votos

Vittorio Grigolo: 9 votos

Jean-Louis Grinda: 7 votos

Marco Vratogna: 4 votos

Pues hasta aquí ha llegado esta edición de los Helga de Oro 2011. Reitero mi agradecimiento a todos por vuestra participación y espero, como digo siempre, que dentro de un año este blog y el Palau de les Arts sigan funcionando y que podamos participar en la elección de lo mejor de esa temporada 2011-2012 que levanta el telón el próximo sábado, y que confiemos que no sea la última.

Para finalizar, os dejo con dos videos donde podemos escuchar a los dos intérpretes masculinos ganadores del Helga de Oro al mejor tenor y al mejor bajo/barítono.

En primer lugar podemos escuchar a Bryn Terfel cantando el “Tedeum” del final del acto primero de “Tosca”, tal y como lo hizo el día 31 de mayo pasado en el Palau de les Arts acompañado por la Orquestra de la Comunitat Valenciana y el Cor de la Generalitat, dirigidos por Zubin Mehta:

video de MrsTLeighton

Y aquí está el señor Jonas Kaufmann, interpretando el aria de Florestan “Gott, welch Dunkel hier!”, de “Fidelio”. El video pertenece a una función grabada en Munich tan sólo 16 días después de cantar Kaufmann el papel en Valencia. La puesta en escena de Calixto Bieito debía ser de las toma pan y moja:

video de ximowb

(*) Vuelvo a advertir como siempre a crédulos y despistados que, tanto la gala como las fotografías de la misma, son más falsas que las mechas de Mairen Beneyto.

PREMIOS "HELGA DE ORO 2011". LOS FINALISTAS

2011-10-25T23:59:00.001+02:00

Un año más, los premios menos cotizados del mundo de la ópera, las estatuillas “Helga de Oro”, llegan a este blog para que la votación de sus lectores designe lo mejor y lo peor de lo acontecido en el Palau de les Arts de Valencia durante la pasada temporada 2010-2011, incluyendo las funciones del IV Festival del Mediterrani.

Como ya comenté en el post anterior, el jurado internacional encargado de preseleccionar a los candidatos a optar al premio en cada una de las categorías, ha designado este año cinco nombres por cada una de ellas, en lugar de los cuatro que venían siendo habituales; y en el caso del premio al mejor tenor se optó porque fuese la previa votación de los lectores del blog la que eligiese a los candidatos al mismo.

Habiéndose producido ya esa votación y teniendo por tanto los nombres de los finalistas en todas las categorías, las encuestas para que podáis ejercer vuestro derecho al voto y decidir quiénes serán este año los premiados, se encontrarán disponibles en la columna de la derecha del blog, desde hoy, hasta las 21 horas del próximo domingo 30 de octubre. Como siempre, podéis votar a todas o sólo a alguna de dichas categorías y dentro de ellas hacerlo a uno o varios candidatos. Es preferible que, si es posible, se haga el esfuerzo de decidir y optar, y se vote tan sólo a aquél finalista que se considere, por los motivos que sea, que ha sido el mejor desde el particular punto de vista de cada uno. No obstante, por si la indecisión es invencible, he seguido dejando habilitada la opción de votar a más de un candidato por categoría.

Bueno, pues estos son los finalistas a los premios Helga de Oro 2011:

Mejor dirección escénica

En este apartado los candidatos son: el norteamericano Vincent Paterson, por su trabajo, con claras reminiscencias a los musicales de Broadway, en la coproducción entre Los Angeles Opera y la berlinesa Deutsche Staatsoper Unter den Linden de la ópera de Massenet “Manon”, que pudo verse en Les Arts el mes de diciembre de 2010; el polaco Mariusz Trelinski, por el personal “Yevgueni Oneguin” que concibió para la producción de la Ópera Nacional de Polonia presentada en enero; el director de cine canadiense Robert Lepage, por la interesante puesta en escena de la producción de “1984”, de Lorin Maazel, que se programó el pasado mes de febrero; el italiano Damiano Michieletto, un habitual en estas candidaturas, por su original trabajo playero en la ópera de Donizetti “L’Elisir d’amore”, una coproducción del Palau de les Arts y el Teatro Real; y otro italiano, Pier’Alli, por la reposición de la producción propia del Palau de les Arts de “Fidelio” que inauguró en 2006 las representaciones operísticas en el coliseo valenciano.

Mejor dirección musical

Los finalistas en esta categoría, todos ellos por su trabajo dirigiendo la Orquestra de la Comunitat Valenciana, han sido: Lorin Maazel, por su particular versión de la “Aida” de Giuseppe Verdi con la que se inauguró la pasada temporada, última del director francoamericano como director musical de Les Arts; su sustituto en dicho cargo, el israelí Omer Meir Wellber, también por “Aida”, ópera con la que se estrenó en el foso valenciano; el italiano Nicola Luisotti, que sorprendió a casi todos con un estupendo trabajo en “Mefistofele” de Arrigo Boito; y el ganador del año pasado, el director indio Zubin Mehta, que esta vez ha sido elegido por partida doble, por su labor en las dos óperas ofrecidas en el último Festival del Mediterrani, “Tosca” y “Fidelio”.

Mejor Tenor

Tras la preselección efectuada por votación de los lectores para designar a los cinco candidatos a este premio, los finalistas han sido: El joven tenor ruso Dmitri Korchak, por el estupendo Lenski que compuso en “Yevgueni Oneguin”; el mejicano Ramón Vargas, por su elegante Nemorino de “L’Elisir d’amore”; el tinerfeño Jorge de León, por su brillante debut como Cavaradossi, en “Tosca”; y dos tenores alemanes que asumieron el papel de Florestan en “Fidelio” con gran éxito: Peter Seiffert, que fue quien ya lo estrenara en 2006; y Jonas Kaufmann, que fue la aparición sorpresa en la función del día 22 de junio del Festival del Mediterrani.

Mejor Bajo/Barítono

Esta es la primera vez que se premia esta categoría ya que en ediciones anteriores no se dispuso de un suficiente número de candidatos, pero este año había demasiados nombres para el premio al mejor cantante masculino y el jurado consideró conveniente separar los premios para tenor y para bajo/barítono. En este último apartado los finalistas son: el polaco Artur Rucinski, por el papel protagonista de “Yevgueni Oneguin”; el carismático Erwin Schrott, por su Dulcamara de “L’Elisir d’amore”; el ruso Ildar Abdrazakov, por el maligno Mefistofele de la ópera del mismo título que pudimos ver en mayo; Bryn Terfel, por el impresionante Scarpia que nos ofreció el cantante galés en la “Tosca” del Festival del Mediterrani; y el danés Stephen Milling por el solvente Rocco que cantó en “Fidelio”.

Mejor cantante femenina

Al contrario de lo ocurrido con las voces masculinas, este año no se ha caracterizado precisamente por la abundancia de candidatas al premio a la mejor cantante femenina. Las finalistas han sido: La mezzosoprano italiana Daniela Barcellona por la imponente Amneris de “Aida”; la soprano china Hui He, que sorprendió con una muy buena Aida después del fiasco que fue en el primer reparto Indra Thomas; la guapa soprano letona Kristine Opolais, quien también en un segundo reparto convenció a casi todos como Tatiana en “Yevgueni Oneguin”; la ganadora del año anterior del Helga de Oro a la cantante revelación, Oksana Dyka, por su composición de Floria Tosca; y la norteamericana Jennifer Wilson, por la Leonore de “Fidelio”.

Cantante revelación

Esta categoría está destinada a premiar a jóvenes cantantes que hayan pasado la temporada anterior por primera vez por Les Arts en papeles de cierta importancia, y que nos hayan sorprendido favorablemente. Y este año el jurado ha decidido que los finalistas sean: el bajo austriaco Günther Groissböck, al que pudimos escuchar como Príncipe Gremin en “Yevgueni Oneguin”; el barítono italiano Fabio Capitanucci, que fue un magnífico Belcore en “L’Elisir d’amore”; la jovencísima georgiana Ilona Mataradze, una estupenda Gianetta, también en “L’Elisir d’amore”; la soprano canadiense Yannick-Muriel Noah, por su papel de Margherita en “Mefistofele”; y la norteamericana Jennifer Lynn Waters, quien en julio fue Amelia en “Amelia al ballo”, de Gian Carlo Menotti.

Mejor espectáculo de la temporada

En este apartado se pretende premiar siempre aquella producción que, valorando en conjunto todos los elementos (dirección escénica, musical, solistas), haya dejado la sensación de que puede haber sido la ópera más redonda o equilibrada de las que pasaron por Les Arts la pasada temporada. Las candidatas de 2011 a esta Helga de Oro son: “Aida”, “Yevgueni Oneguin”, “L’Elisir d’Amore”, ”Tosca” y “Fidelio”.

Lo peor de la temporada

La Helga Abucheadora, el galardón destinado a significar lo más rechazable y abucheable de cuanto pasó por el teatro de ópera valenciano, tiene este año los siguientes candidatos: La soprano norteamericana Indra Thomas, por el cruel destrozo que hizo del papel de Aida en la ópera inaugural de la pasada temporada; el presunto barítono italiano Marco Vratogna, un nefasto Amonasro en el segundo reparto de “Aida”, y a quien, si nadie lo remedia, le tendremos la próxima temporada de nuevo en Les Arts nada menos que como Scarpia; el tenor habitual de esta sección, Vittorio Grigolo, que, pese a los éxitos internacionales que cosecha, por estos lares sigue sin convencernos, como le pasó con su Des Grieux de “Manon”, más rebuznado y berreado que cantado; el maestro Lorin Maazel, en su faceta de compositor, por ese ladrillo infumable hecho partitura, carente de inspiración y originalidad, llamado “1984”; y Jean-Louis Grinda, por la dirección escénica de todo a cien perpetrada para “Tosca”, en una propuesta que resultó sosa, aburrida y fea.

Hasta aquí todos los finalistas. Ahora os toca a vosotros ir a la columna de la derecha y votar. Espero contar con una amplia participación y con vuestros siempre interesantes comentarios.

ELIGIENDO CANDIDATOS A LOS "HELGA DE ORO 2011"

2011-10-21T12:22:00.001+02:00

Este año las prestigiosas estatuillas Helga de Oro, con las que los lectores de este blog premian por votación lo mejor (y lo peor) de lo vivido en el Palau de les Arts durante la temporada anterior, ha adelantado la fecha de concesión, que tradicionalmente era a final de año, para que su votación y entrega se produzca inmediatamente antes de que comience la nueva temporada.

A tal fin, como viene ya siendo tradicional, un secreto, pero muy reputado, jurado internacional reunido en el comedor de mi casa, ha hecho en el día de ayer una primera preselección de cinco candidatos para cada categoría a premiar (en lugar de cuatro como en años anteriores), para que luego, de entre ellos, se elija por los lectores del blog al ganador.

Este año, al elaborar esa preselección el jurado ha constatado un gran desequilibrio entre las distintas categorías, habiendo sido complicado encontrar en alguna de ellas a cinco candidatos de cierta calidad (para Mejor Dirección Escénica, por ejemplo), mientras que en el apartado de Mejor Cantante Masculino de la temporada el número de preseleccionados era tan alto que se ha optado por dividir el premio en dos categorías diferentes, Mejor Bajo/Barítono y Mejor Tenor. Pero, aún así, en el apartado de Mejor Tenor ha sido imposible alcanzar un consenso sobre quiénes debían ser los cinco candidatos finales y, como los canapés y el cava se acabaron y yo tenía ganas de irme ya a dormir, se decidió someter también a la previa votación de los lectores del blog la elección de esos cinco nombres que concurrirán a la votación final.

Así que desde hoy podéis encontrar en la columna de la derecha una encuesta en la que aparecen diez nombres de tenores que actuaron la temporada pasada en Les Arts. Podéis votar a uno o a varios de ellos hasta las 11 de la noche del martes 25 de octubre, momento en que quedará cerrada la votación. En ese instante, los cinco candidatos que tengan un mayor número de votos serán los que pasen a la elección final, y en caso de empate decidiré yo, que para eso puse los canapés y el cava para el jurado gorrón.

Los diez precandidatos son: Jorge de León por su Radamés de “Aida”; Vittorio Grigolo por Des Grieux de “Manon”; Dmitri Korchak por el Lensky de “Yevgueni Oneguin”; Ramón Vargas por Nemorino de “L’Elisir d’Amore”; de nuevo Ramón Vargas por Faust de “Mefistofele”; Marcelo Álvarez por Cavaradossi de “Tosca”; por ese mismo papel otra vez Jorge de León; Peter Seiffert por su Florestan de “Fidelio”; papel por el que también está propuesto Jonas Kaufmann; y Andrew Drost por el Syme de “1984”.

La semana que viene, cuando publique el resultado de la encuesta ya daré conocer el nombre de los candidatos preseleccionados ayer en las restantes categorías, que son: Mejor Dirección Escénica, Mejor Dirección Musical, Mejor Bajo/Barítono, Mejor Cantante Femenina, Mejor Cantante Revelación, Mejor Espectáculo de la temporada, y la Helga Abucheadora a lo Peor de la Temporada.

Pues nada, espero de vuestra colaboración. A votar se ha dicho.

"ANNA BOLENA" (Gaetano Donizetti) - Metropolitan Opera 15/10/11

2011-10-17T00:18:00.001+02:00

La 128ª temporada de ópera del Metropolitan de Nueva York se abría este año con una joya belcantista como es “Anna Bolena”, de Donizetti, que contaba además, a priori, con el atractivo de una pareja femenina protagonista tan interesante como mediática, formada por Anna Netrebko y Elina Garanca, quienes en abril de este mismo año ya asumieran con éxito los roles de Bolena y Seymour en la producción que se estrenó en Viena y de la que tuve ocasión de hablar en un post anterior. En esta ocasión el embarazo de Elina Garanca ha impedido que la letona formase parte del elenco, siendo la mezzosoprano rusa Ekaterina Gubanova la elegida para sustituirla.

La retransmisión en directo de la función a cines de todo el mundo nos ha permitido asistir una vez más a este interesante evento, desde una butaca privilegiada en la que podemos captar cada detalle de la representación (a veces demasiados detalles, casi de estudiante de odontología), y donde el único punto negativo, al menos en los cines Yelmo de Valencia, ha sido la muy mejorable calidad del sonido.

Ya dije en mi comentario sobre la Bolena vienesa que esperaba con gran interés la puesta en escena concebida para la ocasión por el escocés David McVicar, después del gran fiasco de la propuesta vienesa de Eric Génovèse. Pues bien, he de decir que McVicar no me defraudó. Es verdad que la concepción es tremendamente clásica, como lo era la de Génovèse, pero la diferencia básica es que la de McVicar me pareció estéticamente bella, con una buena concepción del movimiento escenográfico y con un elaborado e interesante trabajo de dirección de actores, aunque los movimientos de los coros fueran muy burdos y la introducción de un ¿baile? en el primer acto sin apenas espacio, prescindible.

La enorme caja escénica del MET posibilita el uso de una espectacular escenografía de Robert Jones, que, junto al vistoso vestuario de Jenny Tramani y la muy efectiva iluminación de Paule Constable, consiguen introducirnos en la historia y la época, con una estética que nos remite a las pinturas de Holbein, con un inteligente uso del claroscuro. Es obvio que no estamos ante la producción más innovadora o reflexiva del regista escocés, pero sí ante un vehículo adecuado y atractivo para que se desarrolle la obra, y eso, en los tiempos que corren, ya es mucho.

En lo musical, buen rendimiento de la Orquesta y del Coro del teatro neoyorquino bajo la dirección de Marco Armiliato, quien llevó a cabo un trabajo correcto, aseado, muy centrado en hacer fácil la labor de los cantantes, pero sin aportar la más mínima chispa de genialidad. No se le pueden hacer al director italiano demasiados reproches, desde luego, pero tampoco especiales elogios, limitándose a hacer que fluyera ágil la partitura de Donizetti, con oficio, y entregado en cuerpo y alma a lo que ocurría sobre el escenario.

Pero la estrella de la función, sin duda, se llamaba Anna Netrebko. Desde su salida a escena, como suele ser habitual, la cantante rusa se come el escenario (sí, ya sé que es fácil aquí hacer el chiste: “claro, así se ha puesto”) y consigue concitar el interés de todos los espectadores con su tremendo magnetismo escénico.

Ya dije hablando de su debut del personaje en Viena que, aunque el bel canto no es el terreno más apropiado para las características de Netrebko y el rol es tremendamente exigente, su creación me pareció muy conseguida. Y, después de lo visto el sábado, he de añadir que se me hace complicado pensar en una cantante que, hoy por hoy, pueda ofrecer una mejor Bolena. A mí por lo menos me conquistó sin reservas.

Ha pulido muchos aspectos desde las funciones vienesas y madurado el personaje, tanto vocal como dramáticamente. Ha mejorado notablemente su técnica y su dicción y sabe ocultar sus limitaciones al tiempo que saca el mayor partido de sus cualidades.

La expresividad y fuerza dramática de Netrebko siguen siendo prodigiosas y los primeros planos de estas retransmisiones cinematográficas nos permiten disfrutar de cada uno de los matices que aporta la cantante rusa con sus inmensas dotes como actriz. Impresionante en este sentido fue su “Giudici! ad Anna” del primer acto, donde la mezcla de rabia, desesperación y vulnerabilidad del personaje fueron inmejorablemente recreados.

Su “Al dolce guidami” fue realmente emocionante, con algunos pianos demoledores y bellísimos, y creo que ha sido la primera vez que asisto a una representación de ópera en el cine donde los presentes prorrumpen en una espontánea ovación al finalizar un aria; y el "Coppia Iniqua" con que acaba la obra, todo un derroche de dramatismo desbocado.

video de Grand Teton Music Festival

Ekaterina Gubanova cumplió con corrección como Seymour, aunque en ningún momento consiguió que olvidáramos a la ausente Elina Garanca, pese a que le puso mucha más pasión al personaje que la letona. Vocalmente presentó algunos problemas de emisión y cambios de color y en la zona alta se mostró forzada con agudos abiertos y tendiendo al chillido. No obstante, en el segundo acto me gustó más y su dúo con Anna fue notable. En cualquier caso, Gubanova me parece una estupenda cantante, pero creo que este no es su repertorio.

Ildar Abdrazakov fue un excelente Henry VIII. Imponente en presencia y comportamiento escénico, lució una voz rotunda y tan sólo le cuestionaría la impresión que daba, al menos en el cine, de estar justito de volumen, sobre todo en la zona más grave donde se echaba de menos algo más de peso y consistencia.

Stephen Costello me gustó más bien poco como Percy, aunque reconozco que fue yendo a mejor conforme avanzaba la representación. Vocalmente su timbre me resulta atractivo y generalmente se mueve con solvencia en el registro agudo, aunque tienda demasiado a abrirlos, exhibiendo también un considerable fiato, pero su línea de canto era tosca, empujando la voz de forma fea, su dicción muy deficiente y sus virtudes como actor escasas, lo que, unido a su ausencia absoluta de legato, escasa capacidad de matiz y nula elegancia canora, le inhabilita, a mi juicio, para un papel como éste, pese a los cerrados aplausos que obtuvo en todo momento de sus paisanos.

No me desagradó, ni mucho menos, la Smeaton que compuso Tamara Mumford, una mezzosoprano de timbre cálido que, aunque no sea una auténtica contralto, se movió con solvencia en la tesitura, siendo probablemente la cantante que mejores rasgos belcantistas exhibió de todo el reparto, mostrando además gran desenvoltura escénica y buenas dotes de actriz a pesar de tener que aguantar el look excesivamente gore del segundo acto, con toneladas de ketchup embadurnándola cual hamburguesa made in USA.

Como suele ser tónica habitual en el teatro neoyorquino, posiblemente uno de los más aplaudidores del orbe, hubo grandes y numerosas ovaciones para todos los intérpretes durante y después de la función, rozando la locura colectiva cuando la destinataria de las mismas fue Anna Netrebko.

La verdad es que disfruté de una estupenda tarde/noche de ópera en compañía de buenos amigos, gracias sobre todo a esa gran cantante que es Netrebko, y que no deja de sorprendernos para bien, pareciendo no tener limitaciones. Yo, personalmente, estoy deseando poder escucharla en dos papeles como los de Leonora (“Il Trovatore”) y Tatiana (“Eugene Oneguin”). Seguro que pronto podremos hacerlo.

video de MetropolitanOpera

"BEAU SOIR" - CLAUDE DEBUSSY

2011-10-11T17:50:00.000+02:00

“Idilio" - Lord Frederick Leighton - 1880 - Coleccion de Mr. y Mrs. Henry Keswick

"Beau Soir” (Bello Atardecer) es una de las primeras canciones (mélodies) para voz y piano compuestas por Claude Debussy (1862-1918), y nació destinada a ser interpretada en las reuniones de salón de la época. No hay acuerdo respecto a la fecha exacta de creación de la obra, aunque parece bastante probable que fuese en torno a 1880, cuando Debussy no habría cumplido aún los veinte años.

En esta obra el compositor puso música a unos versos de Paul Bourget (1852-1835), reputado novelista y poeta, contemporáneo del compositor, a quien se atribuye aquella famosa frase: “hay que vivir como se piensa, si no, se acaba por pensar como se ha vivido”. En este poema se nos habla sobre un tema tan romántico como la fugacidad del tiempo y el “carpe diem”, mediante la descripción de la belleza de una puesta de sol y las sensaciones que provoca, recordándonos, no obstante, que debemos disfrutarlo rápidamente pues todo es pasajero.

Son visibles en “Beau Soir” claras influencias románticas y es verdad que no estamos todavía ante el Debussy más rico desde el punto de vista armónico y melódico, pero sí que esta pequeña composición, en apariencia sencilla, es sumamente evocadora y consigue transmitirnos con maestría, fluyendo suavemente, un profundo e íntimo sentimiento de bienestar y de paz.

En esta fase de su producción resulta patente todavía la búsqueda de Debussy de la perfecta unión entre música y texto, y cada matiz de la partitura nos remite al contenido del poema de Bourget, como en ese acompañamiento a los últimos versos, donde la ondulante melodía nos evoca las olas que, suave pero inexorablemente, llegarán a su destino.

Hay cientos de grabaciones y versiones, tanto vocales como instrumentales, de esta pieza. Yo traigo aquí algunas diferentes para apreciar distintas formas de afrontar la página, centrándome únicamente en voces femeninas, concretamente de sopranos.

En primer lugar os propongo una versión estilística e idiomáticamente irreprochable, a cargo de una fija de este blog cuando se habla de mélodie, se trata de la francesa Veronique Gens, quien, como suele ser habitual, está acompañada por el pianista Roger Vignoles:

video de operazaile

Si de adecuación estilística hablamos, pocos reproches se podrán hacer también a Mary Garden, una soprano escocesa que se dice que llegó a grabar "Beau Soir" acompañada por el propio Debussy, siendo la elegida por éste para protagonizar el estreno de "Pelléas et Mélisande". La grabación es de 1929, la cantante tenía ya 55 años y la calidad del audio es la que es, pero creo que vale la pena:

video de CurzonRoad

Tambien rondaba los 55 años cuando grabó esta obra en 1944 otra soprano británica, Maggie Teyte, que fue precisamente quien sucedió a Mary Garden como Mélisande en París. Podemos escucharla acompañada al piano por Gerald Moore:

video de EdmundStAustell

Yendo a grabaciones más actuales, es ahora la norteamericana Renée Fleming, con el acompañamiento pianístico de Jean-Yves Thibaudet, quien nos ofrece su particular versión de esta composición de Debussy. Quizás esté menos ajustada a los cánones de la mélodie y su dicción sea mejorable, pero musicalidad y expresividad no le faltan:

video de rubenmsk

Esta cantante no es que pronuncie defectuosamente el francés, sino que canta en ruso directamente, se trata de Galina Vishnevskaya y, aunque la versión no sea muy ortodoxa y esté adaptada para acompañamiento orquestal, no puedo ocultar que a mí me gusta:

video de ManricoV

Ahora es la alemana Diana Damrau quien canta "Beau Soir" con el virtuoso acompañamiento del arpa del francés Xavier de Maistre:

video de Lilith89ibz

Y finalizo con otra soprano estadounidense por quien siento también especial debilidad. Es Eileen Farrell, y aquí nos da una inmejorable muestra de su versatilidad y de su capacidad para domar y adaptar su poderosa voz a las exigencias interpretativas, ofreciendo una versión que me parece más que interesante. La acompaña al piano George Trovillo:

video de m3lomane

BEAU SOIR (Hermoso Atardecer)

Lorsque au soleil couchant les rivières sont roses,
et qu'un tiède frisson court sur les champs de blé,
un conseil d'être heureux semble sortir des choses
et monter vers le cœur troublé;
Un conseil de goûter le charme d'être au monde,
cependant qu'on est jeune et que le soir est beau,
car nous nous en allons comme s'en va cette onde:
Elle à la mer, -- nous au tombeau !
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Cuando al sol poniente los ríos se vuelven de color rosa
y un tibio escalofrío recorre los campos de trigo,
el consejo de ser feliz parece brotar de las cosas
y subir hacia el corazón turbado.
Un consejo de disfrutar el encanto de estar en el mundo,
mientras que se es joven y el atardecer es hermoso,
porque nosotros nos iremos como se va esta onda,
ella al mar, nosotros a la tumba.

BELLINI, "I PURITANI" Y UNA CANCIÓN PERDIDA

2011-10-06T00:09:00.004+02:00

"Oliver Cromwell y su secretario John Milton" - Charles West Cope - 1872

En 1833, el compositor siciliano Vincenzo Bellini se traslada a París con el propósito de lograr una definitiva repercusión internacional para su producción operística, que ya gozaba de un importante prestigio en Italia y en Inglaterra. En la capital francesa, auténtico centro europeo de las artes en aquella época, contó con la inestimable ayuda de Gioachino Rossini, quien le introdujo en los círculos musicales parisinos, consiguiendo que se representasen en el Théâtre-Italien de la ciudad las óperas “I Capuleti e i Montecchi” y “Il Pirata”, las cuales alcanzaron un éxito notable y posibilitaron que se encargase a Bellini que escribiese una nueva obra para ser estrenada en dicho teatro.

En el verano de 1834, Bellini comienza a componer en París la que a la postre sería su última ópera, “I Puritani”, contando para ello con la colaboración del poeta y Conde boloñés Carlo Pepoli, inexperto libretista, que fue quien se encargó de los textos. La relación entre ambos no fue especialmente fluida, quejándose a menudo Bellini de la complicada escritura de Pepoli y de su ausencia de pasión y fuerza dramática, insistiéndole en que el objetivo de la ópera era “hacer llorar, temblar y morir al espectador a través del canto”. Sea como fuere, tras múltiples correcciones se obtuvo un resultado que parece que no acabó de desagradar al compositor.

Finalmente “I Puritani” se estrenaría en el Théâtre-Italien de la capital francesa en enero de 1835, con un reparto de campanillas en el que destacaban la reputada soprano Giulia Grisi y el famosísimo tenor Rubini. La obra obtuvo un enorme éxito y Bellini alcanzó en Francia la fama que ansiaba, llegando incluso a ser condecorado con la Legión de Honor. Muchos eran los proyectos que se vislumbraban en el horizonte del siciliano, pero para su desgracia, apenas 8 meses después del estreno de “I Puritani”, el compositor fallecería en el suburbio parisino de Puteaux debido a una infección intestinal cuando tan sólo contaba 33 años de edad.

“I Puritani” siempre me ha parecido una auténtica maravilla. Cuenta con una escritura orquestal rica y brillante y está plagada de melodías inspiradísimas. Entre ellas, como toda ópera de la época que se preciase, contiene su correspondiente escena de la locura, en la que suena la preciosa aria “Qui la voce sua soave”.

La música de este fragmento en realidad no era original, sino que fue reciclada por el compositor de una canción que había escrito pocos meses antes en París, en la que puso música a unos sonetos precisamente del Conde Carlo Pepoli. La canción en cuestión se tituló “La Ricordanza” y parece que formaba parte de un grupo de cuatro, compuestas sobre otros tantos sonetos de Pepoli, que permanecieron perdidas durante mucho tiempo y de las cuales tan sólo se ha recuperado ésta, al ser encontrado su manuscrito en la Biblioteca del Congreso de Washington, siendo publicada por primera vez en una fecha tan reciente como 1974.

Bueno, ahora es cuando en el blog toca escuchar algunos ejemplos sonoros de aquello de lo que se ha hablado, con las versiones que considere más apropiadas o más me gusten de entre las que se puedan encontrar disponibles por la red. Pero como la crisis aprieta, la cosa va a cambiar un poco. No puede seguir permitiéndose este blog, en la situación actual, seguir trayendo a los mejores cantantes y orquestas, con desorbitados cachés, así que, adaptándonos a las circunstancias, procuraremos contentarnos esta vez con unas versiones más modestas.

En primer lugar escucharemos la canción “La Ricordanza”, de Bellini, en la sentida interpretación que nos ofrece Kenneth Kamal Scott, acompañado al piano por Gerald A. Brown. He investigado un poco sobre este cantante, muy apreciado en el mundillo de Broadway, y, a pesar de los indicios, nada apunta a que haya sido acusado oficialmente de tragarse al Pato Donald y que sea a éste a quien realmente se escuche en la grabación. Os aseguro también, tras una ardua labor de traducción, que Mr. Nariz canta en italiano:

video de kamalscott1

Ahora vamos a escuchar el reciclaje que hizo Bellini de esa canción en el aria de “I Puritani” “Qui la voce sua soave”. Si le ponemos un poco de voluntad podremos apreciar la similitud entre este fragmento y la canción que escuchamos antes. La interpretación, o lo que sea, corre a cargo de una muchacha llamada Seungah Shin, acompañada al piano de un misterioso sujeto que no se da a conocer, supongo que para evitar represalias. El que ha subido el video se hace llamar My God, y esto sí imagino por qué. Bueno pues aquí está “Qui la voce sua soave” seguida de la cabaletta “Vien diletto”:

video de mygod0606

No puedo acabar sin subir un poco el nivel, así que vamos de nuevo con “Qui la voce sua soave… Vien diletto”, esta vez en la interpretación de una cantante llamada Lina Privitera. Yo también pensaba al principio que se trataba del zaguero de la selección galesa de rugby con peluca, pero no, es una soprano auténtica. La acompaña al piano Dario Virgillito:

video de stefanofnc12

La verdad es que esto no puede quedar así, que le den morcilla a la crisis, y, al menos desde este blog, en cultura no se va a recortar. Así que vamos a escuchar ahora de verdad la canción “La Ricordanza” de Bellini interpretada por el tenor estadounidense Lawrence Brownlee acompañado al piano por Martin Katz:

video de MrRobuso

Y, para finalizar, os dejo con el aria y cabaletta "Qui la voce sua soave... Vien diletto", de "I Puritani" de Bellini, en la estupenda interpretación de la soprano Mariella Devia:

video de Gobrias

"MARINA" (Emilio Arrieta) - Teatro Principal - Valencia 28/09/11

2011-09-29T20:41:00.002+02:00

Ayer miércoles tuvo lugar en el Teatro Principal de Valencia el estreno de “Marina”, de Emilio Arrieta, dentro del primer Festival de Zarzuela de la Comunidad Valenciana (ZAR Valencia) del que ya os hablé en un post anterior.

El festival propiamente dicho comenzó el martes con un estupendo recital de fragmentos de zarzuelas a cargo de la soprano valenciana Isabel Rey, acompañada del Orfeó Valencià Navarro Reverter y L´Ensemble Orchestral de Valencia, bajo la dirección de Vicente Martínez Alpuente, donde la cantante conquistó al patio de butacas con su expresividad lírica y absoluta adecuación estilística, destacando especialmente en una maravillosa interpretación de las carceleras de “Las Hijas del Zebedeo” de Chapí.

Entrando ya en el comentario de esta versión operística de “Marina” estrenada ayer, lo primero que quiero destacar es la dirección de escena, que corrió a cargo de Alexander Herold, quien presenta una interesante propuesta inspirada en la obra pictórica de Joaquín Sorolla. La producción no deja de ser tremendamente clásica, pero estéticamente resulta atractiva, creándose unas llamativas estampas visuales, sobre todo en el tercer acto, gracias fundamentalmente al gran trabajo de iluminación de Juanjo Llorens y una escenografía de Luis Crespo que, pese a la excesiva evidencia del cartón piedra del primer acto, crea el ambiente adecuado, facilitando al mismo tiempo el fluir de la acción.

La dirección de actores, sin ninguna aportación más allá de lo que exige el natural desarrollo de una trama sencilla como la de esta obra, se ha trabajado especialmente con los miembros del Orfeó Valencià Navarro Reverter, un coro amateur que ofreció un excelente rendimiento en el movimiento escénico, asumiendo incluso los bailes, con desparpajo y soltura.

Me pareció muy positiva la decisión de colocar al coro distribuido entre el patio de butacas y los palcos altos al comienzo del acto primero, logrando un efecto sonoro interesante y evitando un abigarramiento en el escenario que hubiera perjudicado el intimismo del momento.

Por el contrario, no sé si Herold será el responsable de que en el libreto se haya cambiado “playa la de Lloret” por “playa la del Saler” en la celebérrima entrada de Jorge, pero no me pareció nada acertado.

El director valenciano Vicente Martínez Alpuente al frente de L´Ensemble Orchestral de Valencia demostró veteranía pese a su juventud, con conocimiento y dominio del género, ofreciendo una lectura en la que se dejaban ver con claridad las connotaciones belcantistas de la partitura, no descuidando tampoco en ningún momento lo que ocurría sobre el escenario, marcando todas las entradas de coro y solistas, a los que mimó especialmente, regulando siempre el volumen de la agrupación orquestal.

La ostensible pifia del trompa solista en el Preludio fue compensada sobradamente en el Interludio previo al tercer acto, donde el mismo músico pudo resarcirse en la ejecución de un fragmento complicado que solventó con maestría. La prestación de la orquesta, aunque se apreciaron algunos desajustes en el primer acto, fue yendo a mejor y acabó siendo más que correcta y todo apunta a que en sucesivas funciones puede mejorar aún más. Además de la trompa, los solistas de flauta y arpa tuvieron también ocasión para lucirse.

“Marina” es una obra en la que si el coro cojea, todo el armazón musical puede venirse abajo estrepitosamente. En esta ocasión se contaba también con el riesgo añadido de tratarse, como ya he dicho antes, de un coro amateur, el Orfeó Valencià Navarro Reverter dirigido por Josep Lluis Valldecabres, cuyos componentes, además de no ser profesionales del canto, no han cobrado ni un euro por estas funciones ni por los meses de trabajo previo que hayan requerido. Pues bien, el coro no sólo no falló sino que se convirtió en la columna vertebral de la obra, constituyendo a mi juicio lo más destacable de la noche.

Se mostró muy afinado, equilibrado, sólido y empastado, especialmente el masculino, y con una perfecta dicción. Su comportamiento escénico, como ya he comentado, fue espectacular y la gran ovación recibida al caer el telón fue justa recompensa a un trabajo muy meritorio.

Aquí podemos escuchar y medio-ver un video con un breve fragmento de una de las intervenciones del coro al comienzo del segundo acto en la función de estreno de ayer de esta “Marina”:

video de MrRobuso

Entre los solistas, yo destacaría el Roque que compuso el barítono alicantino Arturo Pastor, cantando con intención y muchísimo gusto, luciendo buena técnica y culminando con una Habanera magnífica.

El papel protagonista de Marina recayó en esta primera función en la guapa soprano María Rey-Joly que defendió aceptablemente bien su exigente papel con implicación dramática, voz de gran volumen y seguridad en la zona aguda, aunque allí el instrumento se mostrase demasiado oscilante. Su técnica respiratoria debería mejorar para no afear tanto el fraseo con sonoras inspiraciones.

El tenor ilicitano Javier Agulló fue un Jorge irregular. Presentó facilidad para el agudo, terreno en el que se mueve con más potencia, brillo y claridad que en su centro. Posiblemente ayer tuviese además algún problema de salud, ya que en su entrada “Costa la de Levante” directamente desafinó y se le quebró la voz de forma preocupante. Sin embargo, en el segundo acto estuvo muy seguro y alcanzó algunos agudos muy meritorios.

Gran dominio de la escena y profesionalidad se apreciaron en Miguel Sola, como Pascual y María José Martos como Teresa, ambos con mucha complicidad con los miembros del coro. Correcto estuvo también Vicente Antequera en su pequeño papel de Capitán.

Aunque el teatro presentaba una buena entrada, no llegó a llenarse. Posiblemente influyera el hecho de que a la misma hora el equipo de fútbol local se enfrentase contra el Chelsea en partido de Champions.

El público estuvo algo frío durante la representación, sobre todo en el patio de butacas. Desde luego bastante más de lo que el rendimiento artístico merecía, aunque al final si se tributaron calurosas ovaciones a todo el elenco, destacando en su premio al coro, a Rey-Joly y Arturo Pastor.

El partido de fútbol no fue el único evento social del día que afectó a la representación. En la puerta del Banco de España, en la acera de enfrente del teatro, se desarrolló una ruidosa manifestación de trabajadores de banca provistos de sirenas y bocinas varias, cuyas desacompasadas notas se percibieron demasiado claramente en el interior de la sala durante parte del primer acto, pero afortunadamente no duró demasiado la cosa.

Como ya manifesté en este mismo blog, considero que ZAR Valencia constituye una iniciativa muy valiente y loable que espero que pueda tener continuidad en los próximos años y podamos hablar pronto de un festival de zarzuela consolidado en nuestra ciudad, que ayude a dignificar y extender la afición por un género que merece, al menos, propuestas tan serias como esta “Marina” que está desarrollándose actualmente en Valencia, y animo desde aquí a todo el que no la haya visto para que procure acercarse y disfrutar de la bella partitura de Arrieta.

No quisiera acabar sin compartir una tontería. Siempre que escucho “Marina” me acabo acordando del personaje, creado por el entrañable Josep Escobar, don Pantuflo Zapatilla, padre de Zipi y Zape, catedrático de filatelia y colombofilia y aficionado a la zarzuela y especialmente a esta composición de Arrieta que aparecía en muchas de sus historietas. Ayer, entre el ruido de la calle, el fútbol y “Marina” recordé una de ellas y, mira por donde, la he encontrado por la red. Así que por si a alguien le puede interesar aquí la dejo. Si pincháis se ampliarán las imágenes:

NOVEDADES EN EL FESTIVAL DEL MEDITERRANI DE 2012

2011-09-27T00:35:00.001+02:00

La semana pasada la prensa se hacía eco del nuevo recorte del Gobierno valenciano sobre las arcas del Palau de les Arts, al reducir en tres millones de euros más su presupuesto (de 19 a 16 millones) para la temporada que se iniciará dentro de poco más de un mes, pese a estar ya presentada la misma. Entre las consecuencias que podían derivarse de esta decisión del ejecutivo valenciano, se especulaba con la posible desaparición del Festival de Mediterrani.

Bueno, pues como Helga nunca deja de sorprendernos, según la información remitida a los abonados hace unas horas, finalmente el V Festival del Mediterrani tendrá lugar entre el 26 de mayo y el 1 de julio de 2012, y, de momento, no sólo no parece que esté prevista su supresión, sino que se ha aumentado el número de óperas previstas, y se añaden un ballet y dos conciertos con relevantes directores.

En cuanto a las óperas, a las ya anunciadas “Il Trovatore”, de Verdi (los días 26 de mayo, 4, 10, 16, 19 y 22 de junio), y “Tristán e Isolda”, de Richard Wagner (los días 23 y 28 de junio), esta última en versión concierto, y ambas dirigidas por Zubin Mehta, se añade ahora “Medea”, de Luigi Cherubini (los días 12, 17, 21 y 24 de junio), con dirección musical del italiano Ottavio Dantone.

Por supuesto, de los repartos nada se sabe todavía y lo único que se dijo en su día oficialmente es que Jorge de León debutaría como Manrico en “Il Trovatore”. Los rumores apuntan a que podría estar acompañado por Oksana Dyka como Leonora y que la pareja protagonista de “Tristán e Isolda” podrían ser Peter Seiffert y Jennifer Wilson. Pero dejaremos de momento las especulaciones a un lado porque, a tan largo plazo, con los recortes económicos acechando permanentemente y la habilidad de Helga para modificar lo que anuncia, igual acaba cantando Chiquetete.

Los días 13, 14 y 15 de junio los amantes de la danza podremos disfrutar del Ballet Nacional de España en dos espectáculos, “Ángeles caídos”, con música de Salvador Niebla (aunque en el correo remitido por Les Arts se hable erróneamente de Santiago Niebla), y “Suite Sevilla”, con música de Rafael Riqueni.

El 26 de junio, Zubin Mehta dirigirá a la Orquesta de la Comunitat Valenciana en un concierto dedicado a Johaness Brahms; y el 1 de julio será un año más el francés Georges Prêtre quien se pondrá al frente de la agrupación orquestal titular de Les Arts, con un programa en el que se incluirán obras de Schubert y Gustav Mahler.

Hasta aquí las últimas informaciones del teatro valenciano. Mi consejo es que sigáis atentos a las sucesivas variaciones que permanentemente tienen lugar en su web, porque al final supongo que cualquier parecido de lo anunciado con lo que se ofrezca en realidad, será pura coincidencia.

Para ir ambientando musicalmente el tema dejo aquí tres videos. El primero pertenece a la producción de “Il Trovatore” ofrecida este mismo año en el MET neoyorquino, y en él podemos escuchar a una de las mejores Leonora de la actualidad, la norteamericana Sondra Radvanovsky que interpreta “D’amor sull’ali rose”:

video de coloraturafan

Ahora podemos ver a una pareja legendaria, Birgit Nilsson y Wolfgang Windgassen, dirigidos por Pierre Boulez, en un fragmento del dúo de amor del acto segundo de “Tristán e Isolda”, en una grabación del Festival de Osaka de 1967:

video de Oneguin65

Y, por último, es María Callas quien canta “Dei tuoi figli la madre”, del acto I de “Medea”, acompañada por la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino dirigida por Vittorio Gui, en la histórica grabación de Florencia de 1953:

video de diesis23

"EL ÁRBOL DE LA VIDA". MUSICA PARA UNA OBRA MAESTRA

2011-09-21T00:04:00.001+02:00

Siempre he considerado que la persistencia, durante los días siguientes a la proyección, de las sensaciones provocadas por la contemplación de las imágenes de una película que has visto por primera vez, es un fiel indicador del valor de la misma. Al menos del valor que para ti tiene.

Si parto de esa premisa, a la reciente ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes, “El Árbol de la Vida” (2011), dirigida por Terrence Malick, habré de considerarla como una de las mejores películas que he visto en los últimos años. O, al menos, una de las más memorables, en cuanto a persistentes en la memoria.

Este último trabajo del director estadounidense no está dejando indiferente a nadie y el público se divide claramente entre quienes opinan (opinamos) que nos encontramos ante una maravillosa obra maestra, y quienes la califican de soberano tostón o incluso directamente de desvergonzada tomadura de pelo.

No voy a ser yo quien defienda aquí la cinta de Malick. Reconozco que tiene muchos elementos que la hacen presa fácil de la crítica despiadada. ¿Es una película pretenciosa?, sin duda. Es larga, de ritmo moroso, desconcertante, narrada de forma poco convencional…

El cine de Malick probablemente no sea apto para todos los paladares, pero para poder disfrutar de él es imprescindible acercarse a la butaca de una forma distinta. Ir a ver una película suya puede ser lo más parecido a asistir a un recital de poesía visual de casi tres horas de duración, donde lo importante no es tanto lo que se cuenta, que también, sino cómo se cuenta. Al igual que ocurre cuando leemos un poema, es obvio que los mensajes que se quieren transmitir podrían surgir de manera más clara y concisa, pero probablemente no de forma más bella.

En esta película especialmente, el director norteamericano consigue hablarnos de la experiencia vital del ser humano y su comunión con la naturaleza, el universo y la trascendencia, en ocasiones quizás de forma demasiado abstracta y metafórica, pero con una belleza y una fuerza emocional difícilmente superables. Y lo consigue, además, no a base de apisonarnos con largos y complejos discursos, sino transmitiendo directamente sensaciones al espectador. Sensaciones que nos remiten sutilmente a nuestras propias experiencias de vida y nos hacen participar emocionalmente de esta inmensa obra maestra, a base de pura técnica cinematográfica esculpida con la paciencia y deleite que requiere la mutación del celuloide en poesía.

De cualquier forma no era mi intención entrar en un sesudo análisis de esta película en cuanto a sus valores puramente visuales o cinematográficos, sino que pretendía centrarme en un aspecto muy concreto, como es el de traer aquí algunos de los temas musicales incluidos en la misma, porque la música juega también un papel primordial a lo largo de todo el film. Contrariamente con lo que ocurre respecto a la escasez de diálogos, hay muy pocos momentos donde no se escuche la banda sonora.

Y es que una de las características del cine de Malick, melómano reconocido, como lo era también del de Stanley Kubrick, es el cuidado con el que emplea la música en sus trabajos y el acierto con el que suele elegir determinados fragmentos de música clásica que, a partir de entonces, suele ser difícil disociarlos de los fotogramas. Así ocurre con “Gassenhauer” de Carl Orff respecto de “Malas Tierras” (1973); con “El Acuario” de “El Carnaval de los Animales”, de Saint-Saëns, respecto de “Dias del Cielo” (1978); con “In Paradisum”, del “Réquiem” de Gabriel Fauré, respecto de “La Delgada Línea Roja” (1998); o con el inicio de “Das Rheingold”, de Richard Wagner, respecto a “El Nuevo Mundo” (2005).

La Banda Sonora original en esta ocasión corre a cargo del francés Alexandre Desplat, que ha compuesto una serie de temas de tono minimalista que se adaptan perfectamente a las poderosas imágenes de Malick, acompañándolas pero sin hacer perder el protagonismo a estas, y que se complementan a la perfección con los cortes clásicos incluidos por el director.

Son muchos, más de 30, y muy distintos, los fragmentos de música clásica que en algún momento suenan durante la proyección de “El Árbol de la Vida”, y quería proponer la escucha de algunos de ellos. Unos son tan conocidos como la Tocata y Fuga BWV 565 de J.S. Bach, la Sonata para piano KV 545 de Mozart, la Sinfonía nº 4 de Brahms, o este “Vltava” (El Moldava), el segundo de los seis poemas sinfónicos que componen “Ma Vlast” (Mi Patria) de Bedřich Smetana, y que podemos escuchar a continuación en la interpretación de la Filarmónica de Viena dirigida por Wilhelm Furtwängler:

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También en diferentes momentos de la película se escucha el comienzo del primer movimiento de la Sinfonía nº 1 “Titán” de Gustav Mahler, cuyos primeros minutos os dejo en la interpretación, de nuevo, de la Filarmónica de Viena, esta vez bajo la batuta de Leonard Bernstein:

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Una de las secuencias finales del film transcurre al son de los acordes del impresionante “Agnus Dei”, de la “Grande Messe de Morts” del francés Héctor Berlioz, que podemos escuchar al Coro y Orquesta Sinfónica de Atlanta, dirigidos por Robert Shaw:

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Hacia 1930, Ottorino Respighi compuso la Suite III de sus “Arias y Danzas Antiguas”, transcribiendo libremente algunas piezas para laúd de los siglos XVI y XVII y convirtiéndolas en suite orquestal. La “Siciliana”, que también puede escucharse en “El Árbol de la Vida”, parece que se basó en una composición anónima, y yo he escogido aquí una versión de la que lamentablemente no he podido averiguar sus intérpretes:

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Uno de los momentos más entrañables de la película, y al que pertenece la imagen que encabeza este post, es la secuencia en la que padre e hijo ensayan, al piano y guitarra respectivamente, esta pieza compuesta hacia 1717 por el francés François Couperin, originariamente para clavecín, y titulada “Las Barricadas Misteriosas”, que podemos escuchar en una versión para piano interpretada por Angela Hewitt:

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En 1913, Gustav Holst, apenas un año antes de embarcarse en su gran obra “Los Planetas”, compuso este “Himno a Dionisos”, musicando un fragmento de “Las Bacantes” de Eurípides, traducido al inglés por Gilbert Murray. Esta pieza se caracteriza por sus continuos cambios de tempo que progresivamente van acercándose al desenfreno final, una vez que el dios Baco ha hecho acto de presencia. La versión que propongo es la del Royal College of Music Chamber Choir y la Royal Philharmonic Orchestra dirigidos por Sir David Willcocks:

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El compositor polaco Zbigniew Preisner, conocido sobre todo por sus trabajos para el cine (“Azul”, “El Jardín Secreto”, “La Doble Vida de Verónica”), estrenó en 1998 la obra “Réquiem para mi amigo”, dedicada póstumamente a la memoria del director de cine Krzysztof Kieslowski, a la cual pertenece este “Lacrimosa” que adquiere una importante presencia en la película de Malick y que podemos escuchar a continuación interpretado por la soprano Elzbieta Towarnicka, junto a la Sinfonia Varsovia y el Varsov Chamber Choir, dirigidos por Jacek Kaspszyk:

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Y, para ir acabando, os dejo otro de los momentos musicalmente más intensos de “El Árbol de la Vida”, se trata del segundo movimiento de la impactante Sinfonía nº 3 de Henryk Górecki, también conocida como “Sinfonía de las Lamentaciones”. Compuesta en 1976 para orquesta y soprano, en este segundo movimiento Górecki puso música a un texto escrito por una prisionera de 18 años en la pared de una celda de la Gestapo en Polonia y dirigido a su madre, en el que dice: “Mamá, no llores. Reina de los Cielos, protégeme siempre”. Podemos escucharlo en la versión de la London Sinfonietta y la soprano Dawn Upshaw, dirigidos por Davis Zinman:

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Ahora sí, finalizo ya aquí este post de hoy con el tráiler de “El Árbol de la Vida”, de Terrence Malick:

video de trailers

ZAR VALENCIA. FESTIVAL DE ZARZUELA DE LA COMUNIDAD VALENCIANA

2011-09-16T00:44:00.001+02:00

Entre los próximos días 27 de septiembre y 2 de octubre tendrá lugar en el Teatro Principal de Valencia, Zar Valencia, el Festival de Zarzuela de la Comunidad Valenciana del que, esperemos, esta sea tan sólo la primera edición de un evento que pueda consolidarse y devenir en una esperada cita anual para todos los amantes de la lírica.

En estos tiempos que corren es una grata sorpresa encontrarse todavía con personas que son capaces de seguir apostando por la cultura, afrontar los riesgos que ello conlleva y embarcarse en una locura francamente interesante. Esta iniciativa, de carácter privado, ha sido posible, independientemente de los distintos patrocinadores que se han podido conseguir, por el empeño personal de la presidenta del certamen, Querube Giménez, y el director artístico y musical del mismo, el director de orquesta valenciano Vicente Martínez Alpuente.

El propósito principal declarado por los organizadores es el de que la zarzuela vuelva a tener protagonismo en la Comunidad Valenciana, procurando una regeneración y actualización del género, no tanto porque se pretendan escenificar visiones transgresoras o vanguardistas de los títulos clásicos, sino porque estos sean objeto de unas producciones dignas, sin escatimar medios y con artistas de calidad, que aleje esa visión tópica de la zarzuela como algo caduco, pasado de moda y de segunda categoría, que sólo tiene futuro en giras por pequeños pueblos o funciones en residencias de la tercera edad.

El género tiene unos enormes valores que en nada tienen que envidiar a muchas óperas que son pieza habitual de repertorio en los principales teatros de España y en las que no se duda en invertir tiempo y dinero. Sin embargo, en los últimos años, quizás por un exceso de folclorismo y baja calidad de las producciones ofrecidas en épocas pasadas, se ha asistido a un menosprecio institucional que ha marginado el género, pese a que en las escasas ocasiones en las que se le ha dado voz, la demanda popular y la venta masiva de localidades indicaba un interés del público que no estaba siendo atendido.

Junto a este intento de dar un espacio a la lírica española en condiciones dignas, también se ha buscado reivindicar la calidad de muchos artistas valencianos que actúan regularmente en importantes teatros de todo el mundo y que en muchas ocasiones no tienen oportunidad de hacerlo en su propia tierra. Ahí tenemos el caso, por ejemplo, de la soprano Isabel Rey, una figura internacionalmente reconocida que no es precisamente habitual en su propia ciudad, y que inaugurará este Festival con un recital que tendrá lugar el 27 de septiembre, interpretando conocidos fragmentos de zarzuela.

El plato fuerte será la representación de “Marina”, de Emilio Arrieta, aunque se hará en su versión operística, y es que Arrieta compuso originariamente esta obra como una zarzuela, pero 16 años después, en 1871, la adaptó como ópera, con base en los cánones italianos entonces de moda, pero manteniendo unas características propias que la han llevado a ser considerada como una de las primeras óperas de la escuela española.

La dirección de escena correrá cargo de Alexander Herold quien parece que ha preparado una propuesta mediterránea y colorista donde los cuadros de Joaquín Sorolla cobrarán vida en el escenario, jugando también un papel preponderante la iluminación de Juanjo Llorens.

En el apartado de solistas vocales, el tenor ilicitano Javier Agulló y Alex Vicens se alternarán en el papel de Jorge, y en el de Marina lo harán la madrileña María Rey-Joly y Tina Gorina, que curiosamente fue la ganadora del primer premio en el Concurso Internacional de Canto Julián Gayarre, en el apartado femenino, el mismo año (2004) que lo hizo en el masculino el tinerfeño Jorge de León. Miguel Sola, Arturo Pastor y la veterana María José Martos, asumirán por su parte los papeles de Pascual, Roque y Teresa.

Se contará asimismo con la importante colaboración del Orfeó Valencià Navarro Reverter, una agrupación coral de carácter amateur dirigida por Josep Lluis Valldecabres; mientras que Vicente Martínez Alpuente se encargará de la dirección musical al frente de L’Ensemble Orchestral de Valencia.

El día 2 de octubre el Festival se clausurará con una gala lírica en la que distintos cantantes valencianos ofrecerán la interpretación de piezas del repertorio compuestas por músicos valencianos.

Las fechas elegidas para la celebración del certamen me parecen bastante acertadas, al concentrarse estas actuaciones durante este periodo en que la actividad del Palau de les Arts aún no ha comenzado y la del Palau de la Música acaba de iniciarse.

Esperemos que el esfuerzo que se ha hecho por poner en marcha esta iniciativa para dignificar y acercar el repertorio lírico español al público valenciano tenga éxito y podamos en los próximos años hablar de nuevas ediciones de este Festival.

Yo de momento procuraré contaros lo que ocurra en los próximos días. Las entradas pueden adquirirse ya en las taquillas del Teatro Principal o en la web entradas.com. Los precios de las localidades van de 18 a 45 euros.

Aquí os dejo el programa completo.

Martes 27 de septiembre de 2011

A solas con Isabel Rey

Isabel Rey, Soprano

Vicente Martínez Alpuente, Director

Orfeó Valencià Navarro Reverter

L´Ensemble Orchestral de Valencia

Del miércoles 28 de septiembre al sábado 1 de octubre

“Marina”, de Emilio Arrieta (Versión Ópera)

Vicente Martínez Alpuente, Dirección Musical

Alexander Herold, Director de Escena

Marina -María Rey-Joly (28 y 30) /Tina Gorina (29 y 1)

Jorge - Javier Agulló (28 y 30) / Alex Vicens (29 y 1)

Pascual - Miguel Sola

Roque - Arturo Pastor

Teresa - María José Martos

Capitán Alberto - Vicente Antequera

Orfeó Valencià Navarro Reverter

L´Ensemble Orchestral de Valencia

Escenografía - Luis Crespo

Iluminación - Juanjo Llorens

Vestuario - Fidel David

Producción - Jaime Martorell / Sandra Minguez

Asistente de dirección y Regiduría - Enric Gironés

Director Técnico - Manuel Martínez

Domingo 2 de octubre de 2011

Gala Lírica de Clausura - Nuestras voces

Amparo Navarro, Soprano

Maite Alberola, Soprano

María José Martos, Soprano

Javier Agulló, Tenor

Javier Galán, Barítono

Vicente Martínez Alpuente, Director
L´Ensemble Orchestral de Valencia

Para ir abriendo boca os dejo con el tango-habanera "Dichoso aquel que tiene", del acto III de "Marina", en la interpretación del barítono David Menéndez:

video de solimusi

Y aquí a don Alfredo Kraus cantando la famosísima entrada de Jorge, "Costa la de Levante...":

video de kraustrujillo

EL RAH, LA ROH Y UNAS PINTAS CON MUSETTA (IIIª Parte)

2011-09-09T18:37:00.000+02:00

Tras las andanzas londinenses de Atticus y sus amigos por el RAH y la ROH, de las que os hablé en los capítulos anteriores de esta miniserie, hoy finalizaré contando algo, por fin, acerca de las pintas con Musetta. Quizás me alargue un poco, pero ya no es cuestión de hacer más episodios.

Cuando ya nos habíamos hecho a la idea de quedarnos sin ver una ópera en Londres, una visita a mi buen amigo Simon, inglés residente en el barrio de Islington, cambió las cosas. Él nos comentó la existencia de un Pub del barrio donde representaban ópera en inglés y nos manifestó que pese a que hacía tiempo que tenía ilusión por haber ido, no lo había podido hacer. Estuvimos viendo el calendario de representaciones que nos facilitó y vimos que esa semana interpretaban “The Turn of the Screw” de Benjamín Britten, “L’Incoronazione di Poppea” de Monteverdi, y el día 5 de agosto, que coincidía con el cumpleaños de Simon, “La Bohème” de Puccini. Así que, tras los chistes y reticencias iniciales que nos provocaba eso de la ópera en el Pub, decidimos celebrar su cumpleaños escuchando una Bohème en directo mientras nos tomábamos unas pintas. Total, peor que Quixote no podía ser...

El Pub en cuestión es el King’s Head Theatre. Como he dicho, se ubica en el barrio de Islington, al norte de Londres, en el número 115 de Upper Street. En 1970 Dan Crawford lo convirtió en el primer Pub-teatro del Reino Unido, llegando a adquirir un gran prestigio. De hecho, por allí ha pasado gente como Ben Kingsley, Gary Oldman, Joana Lumley, Alan Rickman, Kenneth Brannagh o Imelda Staunton. En la zona de Pub hay actuaciones musicales en directo casi todos los días y en la trastienda las obras de teatro, generalmente de vanguardia, se alternan con funciones de ópera.

Desde el año pasado, Adam Spreadbury-Maher es el director artístico del King’s Head Theatre y parece ser el responsable de la actual denominación, magnífica, con la que se conoce popularmente al local: “London’s Little Opera House”, siendo el primer recinto destinado a ópera que se crea en la capital británica desde hace 40 años.

Spreadbury-Maher es también el director artístico de la compañía OperaUpClose, encargada de representar estas óperas con jóvenes cantantes, en lengua inglesa y con acompañamiento de un piano. “La Bohème” fue la primera ópera que estrenó esta compañía, habiendo alcanzado un enorme éxito de público y crítica, llegando incluso a obtener este año 2011 el prestigioso premio Laurence Olivier a la “Mejor Nueva Producción de Ópera” presentada en Londres esta temporada, compitiendo con las estrenadas en la mismísima ROH o en la English National Opera.

Así que llegó el día 5 y, con bastante escepticismo pero con espíritu abierto, nos dirigimos a Islington con nuestras entradas en la mano, que nos costaron al cambio unos 17 euros, y ganas de pasarlo bien. Al llegar al King’s Head mi cinefilia volvió a hacer acto de aparición y eso de entrar en el local y dirigirme directamente a una puerta trasera me llevó a recordar escenas memorables, como la del funeral de la abuelita de “Some Like it Hot” (Con faldas y a lo loco) o la sección porno de la librería de “El Sueño Eterno”. Aunque el caso es que la entrada a la trastienda del King’s Head de secreta no tenía nada.

Afortunadamente habíamos comprado las localidades con antelación porque cuando llegamos al Pub nos encontramos con el aforo totalmente vendido y con gente apuntada en una lista de espera por si se producía alguna baja o les colocaban en algún hueco.

La puerta trasera del Pub daba acceso a una pequeña sala, que supongo que sería en origen el almacén del local, con unas 7 u 8 filas de bancos corridos atravesadas por dos cortos pasillos ligerísimamente inclinados. En total calculamos que podría haber capacidad para unas 120 personas bien apretaditas. La insonorización del recinto era extraordinaria y allí dentro no se oía ni un ruido del bullicioso espacio contiguo destinado a Pub que se encontraba prácticamente lleno y con música ambiental incluida.

El público era bastante heterogéneo, aunque mayoritariamente joven. La gente entraba con sus pintas e incluso con botella de vino, copas y sacacorchos. Nosotros, los únicos guiris del local, nos agenciamos también nuestras pintas como los nativos, y nos insistieron muchísimo en que les dejásemos encargadas más bebidas para el intermedio y así las tendríamos dispuestas nada más salir. Así lo hicimos, no íbamos a ser menos.

La jefa de todo aquel tinglado parecía ser una dama con un preocupante parecido a doña Helga, tanto en la envergadura física como en los aires de gobernanta de campo de concentración con los que iba ordenando a la gente, según iban llegando, en los asientos sin numerar. Hasta que Helga-bis no finalizó sus tareas de apretujamiento del personal y comprobación de que todo estaba en orden, no comenzó la función.

El espacio reservado como escenario estaba amueblado representando un pequeño salón de un apartamento con un sofá, una silla, una mesita de centro, un perchero y una chimenea. Por allí se amontonaban los cuadros de Marcello, papeles y muchas botellas de licores varios. En un rincón, casi oculto, se hallaba un piano.

Ya desde que entramos en la pequeña sala uno de los intérpretes se encontraba actuando, sentado en el sofá, dando tragos de una botella de cerveza y consultando un ordenador portátil, ajeno al parloteo de la gente que nos íbamos acomodando y a las labores pseudomilitares de organización de Helga-bis. Digo que estaba actuando porque iba abrigadísimo y de vez en cuando simulaba tiritar de frío, pese al calorazo que hacía allí dentro. De repente, las luces se apagaron, se hizo un silencio digno de camposanto y desde el rincón del piano comenzaron a brotar las primeras y conocidísimas notas de la ópera de Puccini.

Acostumbrados al sonido de grandes orquestas aquello sonaba un poco raro. Luego vinieron las primeras frases en inglés de Marcello y Rodolfo y todo sonaba más raro aún, primero por el idioma y después porque las voces dejaban bastante que desear. De hecho, mi amigo Ennecus me comentó en el intermedio el primer pensamiento que tuvo cuando escuchó el principio de la ópera y coincidía exactamente con lo que pensé yo: “si salimos ahí nosotros, no sonaría mucho peor… La que nos espera. Quixote era un santo varón”.

Pero de repente, sin saber muy bien por qué, aquello empezó a rodar, a fluir con naturalidad. Todo cobraba sentido, nada se encontraba fuera de lugar y, lo que es más importante, la emoción de la música y el drama había brotado y la belleza de la obra concebida por Puccini había hecho acto de presencia, pese al entorno, pese a las voces, pese a no contar con el imprescindible soporte musical de una orquesta. Pero todo funcionaba. Era ópera.

Los que amamos esta locura de la ópera sabemos que hay días donde aparentemente nada está muy mal, pero la chispa no surge; y otros en los que una voz, una actuación dramática, el sonido de un oboe o una misteriosa conjunción de elementos, consiguen que de repente la electricidad recorra nuestra espina dorsal y todo haya valido la pena. Así ocurrió esta mágica tarde.

La dirección artística y adaptación del libreto es obra de Robin Norton-Hale. La acción estaba trasladada al Londres contemporáneo. Los bohemios protagonistas son veinteañeros, interpretados por veinteañeros, compartiendo un apartamento en Islington. Rodolfo en lugar de escribir en “Il Castoro” se encarga del mantenimiento de una página web, hay alusiones en el texto a los Pubs de Angel (en Islington) y algunas otras licencias más que se nos escaparían, pero nada chirrió. No había el más mínimo asomo de pretenciosidad o de lecturas rebuscadas, sino de cercanía. Todo estaba adaptado a la actualidad, pero la obra y el espíritu de Puccini y del libreto de Giacosa e Illica, estaban ahí y seguro que el compositor de Lucca no hubiese puesto muchos reparos y no lo hubiese visto tan lejano a sus años de estudiante compartiendo apartamento en Milan junto a Mascagni.

El nombre de OperaUpClose de la compañía no podía ser más apropiado. Esto es una ópera cercana. Esto es acercar el género al público joven, al público que ve la ópera como algo ajeno, para estirados, propio de los ricos y un coñazo protagonizado por gordos gritones. Y al mismo tiempo era algo perfectamente asumible por los fieles aficionados más ortodoxos, simplemente había que desprenderse de prejuicios y dejarse llevar.

Siento enormemente no tener la referencia de los nombres de todos los cantantes que participaron, pero no he podido conseguir los de los intérpretes masculinos. Marcello, Schaunard y Colline eran cantantes claramente formados en el terreno del teatro musical y presentaban bastantes carencias para un teatro de ópera, pero allí sonaban bien y la voluntad y empeño que le pusieron, y sobre todo la intensa entrega dramática derrochada, compensaban sobradamente cualquier reparo que pudiera hacerse. Rodolfo fue un caso especial. Su centro era problemático y sonaba estrangulado y temblón, parecía que no iba a llegar vivo ni a los dos minutos de función, pero conforme fue calentando, la voz fue mejorando poco a poco, y curiosamente brillaba más e impostaba mejor conforme se adentraba en la zona aguda, llegando por momentos a estar pletórico, dando todas las notas de la partitura de forma más que aceptable, incluido el do de pecho del aria del primer acto.

El papel de Mimí fue encarnado por Elinor Moran, quien con una voz algo más depurada que sus compañeros masculinos, defendió con tremenda dignidad el rol, dando también todas las notas y con un portentoso comportamiento como actriz, consiguiendo transmitir todos y cada uno de los matices del personaje.

Al llegar el final del primer acto las luces se encendieron, la trastienda del Pub se inundó de aplausos y nosotros nos miramos con una sonrisa emocionada y un gesto de cierta incredulidad. Aquello era buenísimo. Muy distinto, nada ortodoxo, pero era auténtico, era ópera en estado puro pese a no serlo. Nos pusimos a comentarlo todo, realmente emocionados y encantados con lo que estábamos viendo. Coincidimos en que, dadas las limitaciones escénicas, posiblemente suprimiesen el segundo acto o lo recortasen mucho, pero no importaba, estábamos disfrutando como niños. Una chica llegó entonces y nos pidió educadamente que saliésemos de allí y nos dirigiésemos a la zona de Pub a recoger nuestras nuevas bebidas. Miramos nuestros vasos todavía por la mitad, pero como se suponía que otras pintas nos estaban esperando fuera y la chica casi nos empujaba al exterior, no tuvimos más remedio que salir. Allí estaba nuestra nueva ronda de cervezas con nuestro nombre.

Yo aproveché la coyuntura para ir evacuando mi primera tanda de pintas por las vías urinarias y en eso que, estando todavía en faena, Ennecus acudió a decirme que aligerase porque el segundo acto había empezado ¡¡en el Pub!! Nosotros preocupados por si suprimían el segundo acto o por cómo podrían resolverlo debido a la limitación espacial de la pequeña sala, y la solución fue genial. El Pub King’s Head se transformó en el Café Momus de París y los clientes que se hallaban allí, así como los que habíamos salido en el descanso de la ópera, éramos los figurantes de ese segundo acto del que, no obstante, se suprimieron algunas partes, como todo lo relativo a Parpignol (que por cierto es lo que más me revienta de esa ópera).

Habían sacado el piano a un rincón de la zona de Pub y los cantantes que habían abandonado la escena al final del primer acto para dirigirse al Momus, entraron de la calle como si llegasen al local parisino. Una camarera hacía las partes del coro mientras servía a los clientes y cobraba los servicios. Musetta, interpretada por la guapa soprano Rosie Bell, entró con su Alcindoro, un bajo de voz potente que me comentaron que podría ser el dueño del Pub. Y la acción se desarrolló allí, entre los asistentes a la ópera, los borrachos del barrio y algún yuppie que había finalizado su jornada laboral, con Musetta cantando por encima de la barra con una voz de gran volumen mucho más apropiada para el género operístico, Marcello y sus compañeros bebiendo pintas y cantando, y todos nosotros interviniendo en la ópera involuntariamente y viviendo este segundo acto desde dentro.

Cuando finalizó el acto, yo me encontré absolutamente emocionado por el espectáculo y con dos pintas en la mano; y, al poco tiempo, nos volvieron a hacer entrar en la sala para presenciar los dos últimos actos, que se hicieron de un tirón.

Más allá de sus limitaciones vocales, los chicos y chicas lo hicieron francamente bien, sobre todo en su vertiente de actores, y, como ya he dicho, nada chirrió de forma que te fastidiasen el espectáculo. Todo lo contrario. En el último acto llegamos a emocionarnos, a hacerse el nudo en la garganta, cosa que hacía mucho tiempo que no me pasaba y menos con una Bohème. Sí, ya sé que habrá quien diga que llevar 2 pintas encima ayudaba, pero no sólo es eso. La cercanía, la autenticidad, la sinceridad con que se estaba haciendo todo aquello fue determinante.

Las pintas a lo que sí ayudaron fue a llegar más que apurados al final de la ópera, porque me temo que si llega a durar 15 minutos más la representación, a Mimí la lloran en barca. De hecho hubo quien se planteó rellenar los vasos vacíos y no precisamente con cerveza.

El público merece una mención aparte, también muy positiva. Pese a estar en la sala con las pintas, botellas de vino y todo tipo de bebedizos, se comportó mejor que gran parte del agropijismo de Les Arts, guardando un respetuosísimo silencio en todo momento, aplaudiendo lo justo cuando tocaba y viviendo el espectáculo con intensidad.

Al finalizar, enormes ovaciones fueron tributadas a todos los participantes, incluyendo a la joven pianista, de quien también lamento desconocer su nombre, que llevó a cabo un trabajo espléndido, consiguiendo con su instrumento llevar todo el peso musical de la obra y dotarla de los matices requeridos, dentro de las lógicas limitaciones.

Nosotros vivimos una experiencia nueva, muy interesante, que no nos esperábamos en absoluto y que nos devolvió, pese a sus peculiaridades, toda la magia y la emoción de las buenas noches de ópera.

Otra vez he vuelto a enrollarme demasiado, aunque al menos ahora ya os he contado lo de las pintas con Musetta… Aquí os dejo con un video de un breve fragmento de una de las representaciones de esa Bohème en el Pub:

video de fiphianh

EL RAH, LA ROH Y UNAS PINTAS CON MUSETTA (IIª Parte)

2011-09-06T19:27:00.001+02:00

En el capítulo anterior dejamos al autor de este blog y sus 4 acompañantes bebiendo pintas en Londres tras haber asistido a uno de los conciertos de los PROMS de este verano en el Royal Albert Hall (RAH). Pero ahí no acabarían las andanzas musicales de estos intrépidos melómanos.

Cuando organizamos el viaje a Londres, por supuesto lo primero que miramos es si en esas fechas se representaba alguna ópera en el recinto operístico por excelencia de la capital, la Royal Opera House Covent Garden. Pero no hubo suerte. Nuestra visita coincidía con una gira del Ballet Mariinsky de San Petersburgo, que celebraba el 50 aniversario de su primera actuación en la ROH, y toda la semana estaba ocupada por funciones de ballet.

Los que me conocéis ya sabéis que el ballet me atrae casi tanto como introducir los pies en ácido sulfúrico al amanecer, así que la perspectiva no era muy halagüeña, pero como algunos de los amigos que me acompañaban no habían estado nunca en la ROH y siempre es un placer visitar mi teatro favorito, cometimos la imprudencia de sacarnos unas entradas baratas para una función de “Don Quixote” y así aprovechar para ver el ambientillo de la ROH y sus interioridades. Lo único malo es que había que tragarse el espectáculo danzarín.

Vaya por delante, antes de continuar, que respeto y envidio muchísimo a aquellas personas a las que les gusta el ballet. Yo me reconozco en ese campo un absoluto inculto con orejas y, por más que me empeño en acercarme a él con buenos ojos, siempre me acabo aburriendo soberanamente. Así que pido disculpas desde este momento a todos los amantes del género por mi atrevida ignorancia, y las opiniones que vierta a partir de ahora no son las de ningún tipo que va de listo, sino que casi podrían denominarse “Homer Simpson va al ballet”.

Bueno, pues el Quixote este cuenta con una historia y coreografías que se inventó en el año de la tos un tal Marius Petipa, que se ve que, como entonces no había muchos más entretenimientos que no fueran pecado, no se le ocurrió nada mejor al chavalote que dejar para la posteridad este mayúsculo pestiño, para el que juran y perjuran que se basó en la obra homónima de Miguel de Cervantes.

El responsable criminal de la música es el austriaco Ludwig Minkus. Realmente es muy apropiada para ballet y agradable al oído, pero aburrida, simple y previsible como la de un anuncio de salva slips. Está trufada de referencias hispanas, jota incluida, para darle el toque exótico, y llena de chim-pon para que el público tenga claro dónde tiene que aplaudir y la danseuse pueda hacer su posturita con el abanico. Para quince minutillos la cosa no está mal, pero dos horas de quixotismo sin una UVI móvil cerca, debería ser considerado deporte de alto riesgo.

Y digo yo que si una obra se llama “Don Quixote” y se supone que va del héroe cervantino, lo normal es que el protagonista del asunto sea Quixote, creencia que se reafirma si, como es el caso, en los carteles preside el reparto un sujeto llamado Vladimir Ponomarev que era el encargado de dar vida al personaje...Pues de eso nada... Aquello se llamaba “Don Quixote” como podía haberse llamado “La faja de la tía Lorenza” o “Los Bingueros”, y se parecía a la obra de Cervantes como Helga a Mónica Bellucci.

El artistazo este del Ponomarev deambulaba a cámara lenta por el escenario (perfectamente caracterizado de Alonso Quijano, eso sí) y toda su interpretación consistía en aparecer entre los bailarines de vez en cuando, echar la cabeza hacia arriba muy despacio con cara de lelo; ponerse la mano izquierda en la pechera, en la intertetal misma; y levantar el brazo derecho muy tieso hacia lo alto, también muy despacico, como si le fuese a cantar una saeta a la Esperanza de Triana. Durante toda la obra estuve esperando que en un momento dado Ponomarev-Quixote nos sorprendiese poniéndose a pegar saltos y se desvelase como un bailarín excepcional, pero no… del gesto de la mano en el pecho, el brazo en alto y la cara de lelo no pasó en toda la noche.

Aquí podéis ver (si tenéis bemoles) un video de esta producción de “Don Quixote”. Ojito al papelón del Quixote de turno, podéis verle al fondo, detrás de las monísimas bailarinas, aunque luego, a partir del minuto 4, avanza hacia las primeras filas para que no nos perdamos ni un detalle de su arte:

video de kabaiivansko

Desde luego, si D. Miguel de Cervantes levantase la cabeza y viese a su heroico hidalgo convertido en un pelele idiotizado, iba a empezar a repartir estopa y lo de Lepanto iba a parecer una fiesta infantil.

Los papeles protagonistas de verdad, los de brincar, hacer puntas, pas de deux y todas esas gaitas, fueron asumidos por Yevgenia Obraztsova y Alexei Timofeyev, dos jóvenes bailarines muy finos ellos, huesuditos, con la sonrisa de Joker puesta todo el tiempo… vamos, lo que toca. Yo ya digo que no entiendo una patata, pero parecía que lo hacían bien. Ella se movía de puntas por todo el escenario sin caerse ni nada y daba más vueltas que un tiovivo sin luego darle la risa tonta y vomitar, y la gente aplaudía un montón y ella se quedaba con la sonrisa petrificada como si hubiese visto a Rappel en tanga. El chico salía marcando nalgazas y paquetín y saltaba abriendo mucho las piernas como si le hubiesen puesto una guindilla en el escroto, pero sin hacer ni un mal gesto el tío, y cogía a la Yevgenia con una mano y la levantaba a lo alto como si fuese un camarero llevando una bandeja con cuatro cañas y unas bravas, y la otra allá arriba, abriendo el abanico muy digna y risueña al son del chim-pon, aunque el Alexei le estuviese clavando la uña larga del meñique en la misma sobaca.

Luego salía también Sofia Gumerova dando unas zancadas que ni el correcaminos. Saltaba girando en el aire y caía con todo su peso en un solo pie, que yo sólo de verla casi me hago un esguince de tobillo. Y también estaba Karen Ioanissiyan, un torero paquetero más apropiado para boy de “Victor/Victoria” que para saltar a un ruedo, y que menos torear hacía de todo: ponía posturitas, pegaba unos brincos tremendos como si le hubieran amenazado con tragarse la obra hasta el final, y manejaba la capa con mucho arte como si fuese el abanico de Locomía.

El apartado musical corrió a cargo de la Orquesta del Teatro Mariinsky dirigida por la veterana y experta batuta de Boris Gruzin. La excelente acústica de la ROH no pudo ocultar que el conjunto sonase con demasiada frecuencia un poco a banda, aunque en el apartado positivo hay que consignar la excelente coordinación del foso con la escena.

Los decorados y el vestuario eran muy vistosos y coloridos, aunque todo era un puro disparate y allí se mezclaban bandoleros, faralaes, toreros, caballeros con plumero, duendes, baturros, gitanos, Quixotes y tutús sin ton ni son. Aquí podéis ver otro video (si es que no habéis tenido bastante) con algunos momentos estelares de este montaje de “Don Quixote” en 2006 con otros protagonistas, para que os hagáis una idea de todo esto. A partir del minuto 3.10 aparece la impagable cuadrilla de toreros, que no se sabe si mueven capotes u orean la ropa interior de Helga:

video de patricalin118

Todo el público (mayoritariamente femenino), que llenaba la sala por completo, se lo pasó estupendamente por lo visto. Me quedé con la boca abierta (también es verdad que me pilló bostezando) cuando vi el entusiasmo y las cerradas ovaciones y bravos que la gente tributaba enloquecida a semejante ladrillo caravista desde su inicio. Pero el belfo me llegó ya al ombligo cuando después leí en el prestigioso The Times que, además de ensalzar el espectáculo como algo grandioso, el crítico arremetía con fiereza contra los responsables de que una maravilla como esta sólo se representase dos días. A éste le parecieron poco dos días de Quixote y yo sin embargo en el segundo descanso ya no pude más y me largué.

Sí, lo reconozco, soy un gañán sin sensibilidad, pero como no tenía hecho testamento opté por abandonar la sala antes del último acto por temor a estirar la pata en el anfiteatro de la ROH. Entre que el sopor me apabullaba, que a mi vecino de asiento, un portugués con halitosis que se debía aburrir tanto como un servidor, le dio por canturrear, y que dos de mis amigos pronunciaron las palabras mágicas “¿nos largamos?”, al finalizar el segundo descanso el grupo se dividió y tres de nosotros no retornamos a la localidad.

Nos quedamos paseando por la terraza y pasillos de la ROH deteniéndonos con tranquilidad en cada detalle, e intentando convencer a las amables acomodadoras, que se empeñaban en que si queríamos podíamos entrar a ver terminar la función, de que estábamos ya hasta los quixotes de tanto ballet.

Finalmente salimos de allí disfrutando del frescor de la noche y nos dirigimos a un Pub cercano a esperar con unas pintas al resto del grupo para ir a cenar.

Hablando de pintas, os dije que os hablaría de las pintas con Musetta y me he enrollado demasiado con la ROH, así que tendrá que ser en el siguiente capítulo.

TO BE CONTINUED

EL RAH, LA ROH Y UNAS PINTAS CON MUSETTA (Iª Parte)

2011-09-04T01:30:00.003+02:00

La verdad es que las vacaciones blogueras que anuncié a principios de agosto han durado más de lo previsto, más incluso que las laborales, pero a veces hace falta tomarse un pequeño respiro para retomar la actividad con más ganas.

El caso es que con el tiempo transcurrido se han quedado bastantes cosas pendientes de comentar, especialmente acerca de la situación que vive actualmente el Palau de les Arts, que no sólo no parece ir a mejor sino que viene siendo noticia día tras día para peor. Desde la amenaza de Helga de dimisión, pasando por los problemas del Comité de Empresa con la dirección, hasta la publicación del desfase presupuestario en más de ocho millones de euros, el recinto operístico valenciano no ha dejado de darnos "alegrías" este verano.

Y luego tenemos su gestión diaria que sigue siendo un ejemplo de cómo no se deben hacer las cosas. Ya hemos sufrido las primeras variaciones en la programación anunciada a finales de julio con la inclusión por sorpresa de un ballet (supongo que en mi honor sabiendo cuánto me gusta) y la supresión de la ópera de Martín i Soler anunciada en el Festival del Mediterrani (que tampoco es que me provoque llanto la cosa). Y en el tema de la renovación de abonos ya hemos empezado a atisbar el famoso Helga’s Style: a mi personalmente me ha llegado el formulario para renunciar al abono con apenas 3 días de antelación a la finalización del plazo.

Pero en fin, de aquí a noviembre, cuando comience la temporada si queda todavía alguien en el barco, ya habrá tiempo de hablar de todo eso. De momento tan sólo quería traeros algunas reflexiones y comentarios a propósito de la escapada que hice a Londres a primeros de agosto en compañía de buen@s amig@s (no, no eran maestros falleros que fueran a enseñarles a los jóvenes londinenses el arte de la cremà para pegarle fuego a los comercios de Tottenham, de eso ya se encargaron ellos solitos).

Londres en verano, a diferencia de algunas capitales del mediterráneo, tiene una oferta musical notable, donde destacan por derecho propio los “The Henry Wood Promenade Concerts presented by the BBC”, vamos los PROMS de toda la vida, que desde el 15 de julio al 10 de septiembre viene ofreciendo al menos un concierto diario en el impresionante marco del Royal Albert Hall.

Pese a que en los últimos años he tenido ocasión de viajar a la capital inglesa con relativa frecuencia, nunca había tenido oportunidad de asistir a uno de estos conciertos ni conocía las interioridades del Royal Albert Hall, así que esta era una inmejorable ocasión para hacerlo.

Para un cinéfilo hitchcockiano como yo ya suponía bastante emoción el simple hecho de encontrarse en el interior de la sala en la que Doris Day había impedido el asesinato de un hombre de Estado en el momento en que sonase un golpe de platillos durante la ejecución de la “Storm Clouds Cantata”, de Arthur Benjamin, dirigida por Bernard Herrmann, en esos 128 planos magistrales rodados por el maestro del suspense en "El hombre que sabía demasiado" (1956) en 9 minutos inolvidables:

video de FilmScoreTrickTrack

Nuestro deseo hubiera sido asistir al concierto del día 5, con Gustavo Dudamel al frente de la Simón Bolívar Symphony Orchestra y el National Youth Choir of Great Britain, interpretando la Sinfonía nº 2 de Gustav Mahler, pero las entradas estaban ya vendidas desde que Dudamel hizo la comunión y la reventa fue imposible, así que nos hemos tenido que contentar con ver el concierto en ESTE video que han colgado en youtube y que os recomiendo ver mientras no lo supriman.

Finalmente nuestra cita con los PROMS y el RAH tuvo lugar el día 4, pero lamentablemente ni Dudamel ni Herrmann ocupaban el podio, sino el escocés Donald Runnicles al frente de la BBC Scottish Symphony Orchestra. El programa comenzó con el estreno mundial (mala cosa) del Quinto Concierto para Orquesta de Robin Holloway. La obra era un encargo de la BBC al compositor inglés y la verdad es que casi mejor que le hubiesen encargado medio kilo de morcillas de arroz. Reconozco que he escuchado cosas peores, pero si no se hubiese estrenado nunca, la historia de la música no se hubiera perdido nada y nuestras orejas hubieran ganado 25 minutos de paz.

Tras esto vinieron los 4 últimos lieder de Richard Strauss con la participación de la soprano sueca Hillevi Martinpelto. No me gustó. Runnicles impuso mucha velocidad y poca intensidad, ofreciendo un Strauss carente de brillo y voluptuosidad, rutinario y frío. Esta frialdad se contagió también a la soprano que, si bien en la zona aguda se movía con cierta comodidad, naufragaba en los graves, presentó problemas de fiato y su volumen era ostensiblemente corto para la grandiosidad de la sala.

La segunda parte del concierto estuvo dedicada a la 2ª Sinfonía de Johannes Brahms donde la orquesta sonó bastante mejor y Runnicles pareció encontrarse más cómodo con la partitura, aunque la interpretación, aun siendo correcta, pecó también de sosería y falta de chispa.

De todas formas, aunque lo musical fuese mejorable, la experiencia resultó altamente gratificante y el objetivo principal de la visita se vio cumplido con creces. La emoción de estar en ese impresionante recinto, aunque la acústica sea más que discutible, rodeado por 5.000 ó 6.000 personas que sienten y viven la música con intensidad, valió la pena.

Nuestra localidad estaba ubicada en los asientos de la primera fila justo detrás de la Arena, esa platea libre de asientos donde los genuinos prommers escuchan el concierto de pie con sus pintas, sus helados y un silencio sepulcral pese a la ingesta alcohólica y el tostón que puedan estar soltando desde el escenario.

Aunque, bueno, como dicen los ingleses: “siempre hay uno y siempre está cerca de ti”. En este caso detrás de mí. Un sujeto de la fila de detrás, un posible minero jubilado de Newcastle pasado de sherry, combinaba para mi desgracia unas extremidades inferiores de importante longitud con una presunta invasión de fieras ladillas en sus partes pudendas, cuyos incómodos efectos pretendía combatir a base de salvajes rascados testiculares que, a la par que sonaban como si estuviese pasando una lija por una base de granito, originaban convulsos movimientos de sus piernas contra los asientos delanteros, lo que motivaba que toda nuestra fila acompañara con gráciles y acompasados cabeceos el rascar del señor de los huevecillos picantones.

En el descanso, mientras Mr. Rascayú salió de la sala (supongo que a afilarse las uñas y echarse otro copazo) y en la Arena daban buena cuenta de las pintas y los helados, nosotros improvisamos también una merendola a base de deliciosas cookies surtidas que compramos en Ben’s Cookies (junto a la salida de metro de South Kensington) y que nos ahorraron una cena.

Al finalizar el concierto hicimos un poco el Martínez Soria por los pasillos, cotilleándolo todo, y cuando nos dimos cuenta estaban pasando a ocupar sus localidades los asistentes al concierto que iba a tener lugar inmediatamente después, con un programa dedicado íntegramente a Tomás Luis de Victoria a cargo de los Tallis Scholars. Por unos momentos estuvimos dudando si nos quedábamos sentados en los asientos del fondo, con muchísimos huecos, pero al final optamos por comportarnos educadamente y salimos del recinto decididos a combatir la sed que nos habían dado las cookies con unas cuantas pintas en algún garito del Soho.

El próximo día os hablaré de la ROH y las pintas con Musetta.

TO BE CONTINUED